ROBERT MAURIES (CAHORS Blues Festival) // INTERVIEW // Passion du blues et encore du Blues - 22 Mai 2023.

Entrevue avec le Boss Robert Mauriès Du Festival Cahors Blues Festival qui nous raconte et nous dévoile son Festival sa passion et nous donne envie d'y faire un tour.

Quelque questions à Monsieur Robert Mauriès.

Parlez nous de votre parcourt et de vos premiers métiers .

Robert Mauriès. Rien, ne me prédisposait à ce qu’un jour j’aurais à gérer un festival, et qui plus est le plus ancien festival de Blues en France et certainement d’ Europe.
Après des études scientifiques à Toulouse, j’ai commencé ma vie professionnelle dans l’Aveyron et j’ai eu la chance d’être recruté dans une entreprise agro- alimentaire en 1970 qui était à la pointe de la recherche dans les semences de blés et de maïs pour y installer des systèmes informatiques. Et cela a eu pour conséquences tout à fait par hasard de me permettre de traverser l’atlantique pour me rendre au Etats Unis plusieurs fois par an et notamment, à Chicago et en Louisiane. J’avais comme pas mal de jeunes à l’époque un penchant pour les musiques en provenance des Etats unis- ayant eu 20 ans dans les années 60. Et je profitais de ces voyages pour dans mes temps libres aller dans des concerts de jazz ,de blues de rock’n’roll que j’appréciais beaucoup et rencontrer les artistes et musiciens de ces disciplines.
Durant toute ma vie professionnelle très prenante dédiée à l’informatique, cette passion m’a accompagné sans me permettre d’œuvrer dans ce domaine.
Enfin arrivé à la retraite, j’ai rejoint le Cahors Blues Festival en 2005, cela fait 18 ans à la demande du Président de l’époque Jean Pierre Lemozit, et en suis devenu président depuis 11 ans.        

Quelles sont vos influences musicales et vos idoles ?

Robert Mauriès. Mes influences musicales ont toujours été liées à ce que la musique porte en elle, et mon choix a toujours été le Blues et ses dérivées Jazz rock’n’roll mais aussi la country, et la chanson française pour les valeurs qu’elles représentent pour moi.
Ma prédilection est surtout le blues qui représente les peuples afro américains et amérindiens qui ont partagé leur vie dans des conditions dramatiques et qui s’évadaient de leur quotidien par les chants et leurs instruments de musique au départ très sommaires.
Depuis leurs origines ces musiques ont évoluées suite à la qualité de leurs interprètes et aux nouveaux auteurs compositeurs qui pour la plupart restent fidèles aux fondements. Cette musique de par sa structure  ses rythmes comme beaucoup d’autres d’ailleurs sont incantatoires et parviennent à une sorte de transe qui traduit l’intérieur de l’être. Il ne faut pas oublier que certaines paroles étaient codées et au temps des plantations de coton ou de canne à sucre, elles ne pouvaient être interprétées que le dimanche à l’église… d’où le Gospel.
Pour en revenir au blues il porte en lui et même encore tout ce que ces peuples ont vécu… Et c’est ce qui me motive dans le choix des artistes surtout pour les Américains.      

Depuis 2006 vous êtes arrivé au sein de l'équipe du Cahors Blues Festival comment cela s'est-il passé ?

Robert Mauriès. Pour créer un festival de musique en général, et de Blues en particulier, il n’y a pas de recette universelle. Au départ il faut avoir conscience que de nos jours il faut une bonne dose de courage, une bonne équipe de passionnés par cette musique sur laquelle on peut compter car on est dans un pays ou le Blues n’est pas né. Ce qui rend l’exercice extrêmement compliqué surtout si on recherche des financements. La France compte environ plus de 150 festivals de blues ce qui est une belle performance, malgré les difficultés et il y a dans ce chiffre, des festivals qui ne produisent pas que du Blues, notamment dans le domaine du Jazz et de musiques du monde.
Le blues en France n’est pas une musique totalement reconnue comme le Classique le Jazz , l’Opéra, Le Folklore, la Variété, la Techno, le Rap etc… La case blues n’existe pas vraiment.
Mais le plus difficile n’est pas la création d’un Festival de Blues , on monte un projet de festival de blues comme on monte un autre projet de festival, mais le plus difficile c’est de le maintenir et de le pérenniser… Ce qui pour le Cahors Blues Festival peut être considéré comme une performance. Lorsque je suis arrivé au festival en 2005 le Festival avait déjà 17 ans d’existence.
Mais il n’avait pas la notoriété qu’il méritait aussi dès que j’ai pu le faire et que j’ai eu la légitimité personnelle pour le faire, j’ai monté des dossiers envoyés aux instances mondiales du Blues qui en assurent le maintiens et la pérennisation.
Après de nombreux déplacements en Europe et aux états unis . nous avons obtenus 3 récompenses.
La première en 2014 un Mississippi Blues Trail Marker qui a été inauguré en présence de l’ambassade des états unis, celui-ci nous ayant été attribué par l’état du Mississippi en reconnaissance a tout ce qu’a réalisé la France au travers du Cahors Blues festival pour la promotion du Blues en Europe. Il y a environ 230 markers dont 227 aux états unis et seulement 3 en dehors du territoire Américain.
La seconde en 2015 à Bruxelles par l’European Blues Union qui est l’instance Européenne de Coordination du développement du Blues en Europe et qui m’a attribué un « Blues behind the scène Award au titre de producteur du Cahors Blues Festival. La troisième un Grammy Awards « Keeping the Blues Alive » « Garder le Blues Vivant » par la Memphis Blues Foundation qui est l’organisme qui représente le Blues au niveau mondial. Et plus récemment en 2022 , l’intronisation du Cahors Blues Festival au Blues hall of Fame de France Blues installé dans le Musée du Blues à Chatres sur Loir. Le Blues Hall of Fame existe depuis 2 ans et il est géré par France Blues qui est l’organisme de représentation et de développement du Blues en France, et qui assure notamment la promotion d’artistes de Blues Français au niveau mondial             

Comment procédez-vous pour la programmation ?

Robert Mauriès. Sous ma responsabilité, je propose à la commission de programmation qui est composée de membres du conseil d’administration

Robert Mauriès. Des artistes selon un thème choisi ensemble pour chaque édition et qui répond au critère majeur de rester traditionnellement dans le blues et ses dérivés. On en discute pour choisir ce qui nous semble être les mieux selon différents critères et pas obligatoirement en fonction de la notoriété, et nous sommes toujours d’accord. Depuis des dizaines d’années je vais tous les ans aux états unis et j’ai la chance de connaitre beaucoup d’artistes et de les avoir vus sur scène. Je vous invite à consulter la liste des artistes qui se sont produit au festival sur CAHORS BLUES FESTIVAL. Rubrique histoire du festival pour en avoir une idée. On aime proposer chaque année des découvertes, la dernière étant Kingfish que j’ai vu jouer alors qu’il avait à peine 15 ans …

Quels sont les grands moments que tu gardes en memoire avec tous les artistes qui sont passés au Cahors Festival ?

Robert Mauriès. Il y en a trop car beaucoup d’artistes sont magnifiques , certains ont même écrit un blues sur le Cahors Blues Festival …

Cette année du 12 au 15 juillet pour la 41e édition parlez nous de la programmation.

Robert Mauriès. Parlons tout d’abord de la soirée de clôture !!!
Car le 15 Juillet, nous avons décidé de frapper très fort en 2023 en créant pour sa soirée de clôture un événement Européen unique dans le domaine du Blues, pour rester à la pointe de l’innovation et de la découverte d’artistes, tous excellents connus ou pas du public Français. Cette année, grâce à un Partenariat, conclu avec le plus important Festival de Blues aux Etats Unis, Le Big Blues Bender Festival de Las Vegas, le 15 Juillet au soir sur la grande scène une « Big Blues Bender Night ». Après plusieurs mois de travail sur la meilleure façon de présenter le Blues sous toutes ses facettes et composantes autant traditionnelles qu’actuelles, on a fait adhérer à ce projet le seul Festival qui aux Etats Unis réunit tous les ans les plus importants artistes Américains.   En effet chaque année le Big Blues Bender présente plus d’une centaine d’artistes de blues au cours de 3-4 journées et nuits sur ses 5 scènes. Et c’est parmi eux qu’ont été choisi(e)s ceux qui seront le 15 Juillet à partir de 23h à Cahors. Choix qui a été bien difficile, évidemment et qui est le fruit de nombreux échanges entre les 2 responsables Artistiques du Big Blues Bender et du Cahors Blues Festival. Avec 3 concerts sur la grande scène cette Big blues Bender Night et avec un impressionnant final qui promet de terminer tard dans la nuit. C’est à un spectacle unique et de très grande qualité , réunissant de grands noms mais aussi d’exceptionnelles découvertes auquel le public aura l’incroyable opportunité de participer, exactement comme on ne peut le vivre qu’à Memphis, Chicago , La Nouvelle Orleans ou Las Vegas, avec 12 bluesmen(women) sur scène animée par Jimmy Carpenter, Terrie Odabi, Mike Zito, Bob Corritore, Nick Schnebelen, Bob Margolin( guitariste 10ans de Muddy Waters), le Big Blues Bender Brass Band, Jimmy Carpenter Band. Pour 4 heures de spectacle ( 2 entr’actes) Mais avant cela :

Le 12 juillet après midi 8 concerts gratuits pour la demi Finale du Mississippi Blues Trail Challenge, qui réunit 8 groupes français choisis parmi 80 candidatures devant un jury composé de 5 organisateurs de festivals de blues français, et de 5 organisateurs de Festivals Européens.

Le 12 juillet à partir de 20h 12 concerts gratuits dans des bars – restaurants de la ville
Le 13 juillet après midi Eric Edwards ( USA) , White Feet( FR)  2 concerts gratuits a partir de 16h

Le 13 juillet en soirée sur la grande scène du festival 4 concerts pour la finale du Mississippi Blues Trail Challenge, puis la tête d’affiche de la soirée, THE SWING MACHINE BIG BAND (Fr) 22 musiciens sur scène !! avec comme invitée l’incroyable Teeny Tucker (USA).

Le 14 juillet après midi La Toulouse Blues Society présente 3 Formations de Blues Françaises, FROGGY BLUES Cie, BOOGIE BOOLGA et JAY’N’BOP, et également un band Internationnal « THE CROSSROAD PROJECT composé de 2 Français ainsi que de 3 Américains en concerts gratuits , et en soirée : SLIM PAUL ( Fr), THE CHINELLI BROTHERS ( UK) 2 concerts gratuits

Le 14 Juillet en soirée  JOE LOUIS WALKER (USA)
Le 15 Juillet après midi Eric EDWARDS ( USA), The WACKY JUGS (FR) gagnants l’International Blues Challenge à Memphis en 2022

Pour conclure je n’oublierai pas de mentionner que le Parrain de cette l’édition 2023 du Festival sera le Saxophoniste Jimmy Carpenter lauréat en 2022 du Blues Grammy Award de la Blues Foundation dans la categorie « Meilleur Saxophoniste Blues et Jazz aux Etats Unis ».  

Pouvez nous raconter des moments fort ou une anecdote ?

Robert Mauriès. Il y en a trop, et cela prendra trop de temps, on pourrait en écrire un livre …vous pensez bien en 41 ans il s’en est passé des choses intéressantes, au moins une ou deux chaque année !!!…

En quelques mots comment définissez vous ces 41 années et le festival de Cahors ?

Robert Mauriès. On ne voit pas le temps passer et la musique est toujours la même elle vient de là elle vient du Blues !!!
Merci beaucoup et à très bientôt le plaisir de vous accueillir au CAHORS BLUES FESTIVAL du 12 au 15 Juillet

A bientôt,

Paris 22 Mai 2023
Thierry Cattier
Photo : DR

LODZ (Julien Maillant Bassiste) // INTERVIEW // Après la tempête la renaissance ! - Février 2023.

 
Depuis la sortie de Time Doesn’t Heal Anything paru en 2017 Lòdz le gang Lyonnais a dû faire face à un véritable tsunami qui aurait pu les faire sombrer corps et âme. Les départs de Ben et Vincent la section rythmique basse/batterie, les difficultés quotidienne de la vie, la crise du Covid ont été des écueils auquel la formation a dû faire face pour essayer de rester à flot ! L’arrivée salvatrice de Julien Mailland comme nouveau bassiste et de Erik Hostein au poste de batteur a été le début d’un nouveau départ et même d’une renaissance ! Le groupe de post-Metal atmosphérique ayant choisi de se réinventer tant artistiquement, qu’humainement. Il a su se remettre en question et découvrir de nouveau horizon musicaux ! Un changement radical que ce soit au niveau de certaines influences mais aussi la façon de composer et d’enregistrer. Le résultat c’est Moons And Hideaway leur nouveau méfait sortie en décembre dernier ! Un opus introspectif ou la formation n’a pas hésiter à expérimenter pour nous offrir quelque chose de profondément viscéral ! Moons And Hideaway est une petite merveille mélancolique qui vous plonge dans des ambiances aux allures de psychothérapie collective alliant des parties planantes brutales et mélodiques. Une mutation qui est un coup de maître et d’une rare élégance après les multiples péripéties auxquelles ils ont dû faire face ! Une chose est certaine on ne ressort pas indemne après l’écoute de Moons And Hideaway un disque mature gorgé de morceaux empreint de sérénité ! Une belle pièce sans aucun doute ! Pour en savoir un peu plus sur cette métamorphose hors normes nous sommes allés à la rencontre de Julien Mailland le sympathique nouveau bassiste du combo. Un entretien passionnant qui vous emmène aux confins d’un nouveau monde Post Rock Atmosphérique inquiétant ! Magnéto Julien c’est à toi !

Julien tu es le nouveau bassiste du groupe Lòdz. Vous avez donné un concert le 13 avril au Hard Rock Café à Lyon. Comment as-tu vécu ce premier show au sein du groupe ?

Julien Maillant. Très bon concert qui était organisé avec Lyon postprod qui est l’organisation qu’on apprécie beaucoup à Lyon qui nous a toujours soutenu et qui a toujours apprécié le groupe. Pour moi c’est le premier concert avec le groupe qui s’est très bien passé. Il y avait du monde, que du bon.

Tu es arrivé en 2018. Comment s’est passé l’intégration sur scène ? Vous avez joué aussi le 21 décembre 2021 à Lyon au Rock Eat.

Julien Maillant. Oui tout à fait. Très très bien. C’est vrai que je suis arrivé à un moment de transition du groupe où la démarche était de tout changer entre le précèdent album et le nouveau celui qu’on vient de sortir. Je suis arrivé à un moment où c’était facile de s’intégrer parce que justement il y avait la place pour ça. C’est-à-dire que Éric, Olivier et Vincent le batteur à l’époque qui étaient les membres originels du combo, ce n’est pas comme la démarche alors tu arrives et il faut faire comme si, faut faire comme ça, de telle façon. Tout était en fait très ouvert. Donc du coup je suis arrivé au moment où l’intégration était très simple. J’ai pu justement apporter un peu mes influences, ma façon de voir les choses, la musique. Et c’est pour ça que les notes changeaient parce que le batteur est arrivé un ou deux ans plus tard. Je pense que ce sont les modifications des notes qui font que l’album sonne un peu différent.

Il y a une grosse évolution par rapport aux albums précédents. Le processus de composition a complètement changé. D’après ce que vous décrivez l’album était écrit pendant des longues sessions, il n’y avait plus de jours ni de nuits. Vous étiez isolés en pleine campagne. Qu’est ce qui s’est passé ? Vous aviez vraiment besoin de ça de vous isoler et d’être tous ensemble ?

Julien Maillant. Oui c’est toujours dans cette démarche de casser ce qui a été fait jusqu’à maintenant non pas parce qu’on n’était pas satisfait mais de partir sur quelque chose de nouveau. On voulait aussi changer la démarche. On est loin de fonctionner en répète comme certains combo. On avait envie de s’isoler, de se retrouver et d’aller jusqu’au bout des choses. C’est un album sur lequel on s’est vraiment dit, on va faire la musique qui nous plait à fond, on veut tout tester, tout essayer et partir s’isoler comme ça, ça permet de créer une ambiance particulière, une fusion où on a vraiment l’impression d’aller jusqu’au bout du processus. Et d’ailleurs pour l’anecdote on a commencé à composer cet opus au tout début du covid, on était tellement isolé qu’on était enfermé trois quatre jours avec les ordinateurs, des bières, et un kit kat. A Lyon la ville était fermée, les bars étaient fermés. On se demandait ce qui s’était passé. Vraiment déconnecté de la réalité. Et pour nous c’était l’espoir avec une musique, avec beaucoup d’émotions, c’est important d’aller jusqu’au bout des choses pour s’en sortir musicalement dans la façon de voir les choses.

En 2020 c’était un peu une ambiance fin du monde et l’impression d’être dans un film. Quelqu’un de la formation a déclaré aussi que c’est un disque qui s’est fait dans la douleur. C’était vraiment si difficile de créer le disque ?

Julien Maillant. C’est déroutant. Dans la douleur c’est plutôt le fait de se mettre dans le rouge pour dégager les émotions qu’on voulait. Tu sais qu’Éric le chanteur écrit les textes. Il avait vraiment besoin pour satisfaire toutes ces compositions de se mettre dans le rouge, en poussant dans les retranchements on peut faire des choses assez fortes. Dégager des sensations fortes, faut se mettre dans le rouge et après dans la douleur mine de rien, les changements de line up, le groupe existe depuis longtemps depuis plus de dix ans. Moi je suis arrivé récemment mais pour les membres comme Olivier et Éric qui sont là depuis le début c’est sûr qu’on se pose toujours la question quand un membre part, quand les délais s’allongent dus au confinement, toutes ces choses-là. Tu as forcément un cadre de travail qui n’est pas toujours agréable. Il y a cet aspect-là qui est à prendre en compte dans la composition de ces morceaux.

Tu es arrivé en 2018 que penses-tu avoir apporté au groupe musicalement et humainement ?

Julien Maillant. Déjà sur le plan humain je pense que j’ai joué un rôle important. Le projet existait déjà depuis dix ans. Moi j’arrive, j’étais super content d’être pris dans le groupe. Cela fait un moment que je les suivais, donc je suis arrivé avec un son un petit peu nouveau pour leur dire ok les gars, je comprends ce qui nous arrive, c’est un peu compliqué on a des soucis mais j’ai apporté ce côté un peu frais, un peu de motivation qui permet de remotiver un peu toutes les troupes. Je me mets à la place d’Éric. Son projet il l’a créé il y a longtemps et mon rôle c’est d’apporter un peu de sang neuf. Ensuite musicalement le jeu de basse entre les deux albums est totalement différent. Jusqu’à maintenant la basse était jouée avec le médiator, moi je joue au doigt, ça apporte un groove et un état d’esprit différent et pour l’anecdote à la base pour l’audition il cherchait plutôt un bassiste qui joue au médiator. Je leur ai dit que je ne joue pas au médiator je joue au doigt mais je pense que ça peut le faire, ça peut apporter un truc différent dans le projet et justement ça a convaincu les gars. Je trouve que sur l’opus de base c’est totalement différent que ce soit le son ou même l’approche musicale.

Vous avez travaillé avec Nikita Kamprad qui est le chanteur et guitariste de De Der Weg Einer Freiheit mais aussi producteur pourquoi votre choix s’est arrêté sur Nikita ?

Julien Maillant. On avait plusieurs profils en tête. La première raison c’est qu’on s’est dit qu’on allait faire différent. On avait travaillé avec Magnus Lindberg (Ndr : Producteur Suédois de Stockholm) sur l’opus précédent, on avait envisagé de travailler avec lui mais on s’est quand même dit là c’est très bien. On change de line up et notre façon de composer, on change un peu notre son, notre style presque aussi donc faut qu’on sorte de notre zone de confort. Il faut travailler avec quelqu’un d’autre. Donc on a listé plusieurs personnes et en fait on a choisi Nikita dans son groupe Der Weg Einer Freiheit. Le style est assez éloigné de nous car le style Dark, assez extrême. Je trouve qu’il a une façon de traiter l’émotion qui nous parlait quand on écoute en live c’est très intense et nous cette identité on s’est dit qu’on pouvait la retrouver dans notre musique. C’est ce que cette personne serait tout à fait capable de mixer un album avec beaucoup de guitares, d’empilement de sons, d’effets, après c’était un peu un pari parce que je t’avoue sur le papier c’étaient des gars parfaits. On s’est dit est ce que ça va marcher, oui ça a totalement marché à cent pour cent dès qu’on a reçu les premières pistes. On voulait un écorché vif et on sentait que c’était la bonne personne. L’échange s’est très bien passé dès de début et on a senti que ça allait le faire.

Vous n’avez pas pu aller en studio en Allemagne avec lui à cause de la situation.

Julien Maillant. On a tenté deux fois et deux fois la frontière était fermée. On n’a pas eu de chance. (Rires). Ce qu’on a fait c’est Olivier le guitariste qui a un studio a directement produit toutes les guitares et la voix. Ensuite on a tout envoyé à Nikita. On a travaillé à deux, on a vu avec lui tous les détails techniques ne serait-ce que pour le placement des micros sur la batterie, sur les différents réglages pour la basse et les guitares et on lui a tout envoyé pour l’assistance comme ça.

Comment as-tu vécu l’enregistrement des neufs morceaux ?

Julien Maillant. Plutôt bien car finalement c’est sûr qu’on aurait tous aimé vivre l’aventure, partir en Allemagne dans ses propres studios (Ndr : le Ghost City Recordings), mais quelque part le coté home studio quand je dis home studio on est quand même très bien équipé et très confort. On est retourné dans des maisons où on a composé, on avait des configurations où il y avait des câbles partout, du coup avec Olivier le guitariste c’était un confort. Quand on est en studio avec quelqu’un qu’on ne connait pas, même si on l’apprécie beaucoup c’est toujours un peu la pression, le temps car c’est cher de louer un studio à l’étranger, c’est un prix donc quelque part l’autoproduction a été pour moi quelque chose de bénéfique. On a pu prendre le temps et la pression est vraiment très confortable.

Quel est le challenge que vous avez rencontré sur l’album ?

Julien Maillant. Les défis c’étaient surtout sur scène, on a pris le parti d’enregistrer tout sans ampli. C’est-à-dire que quelquefois, en studio on va enregistrer les guitares et les basses en direct, après la personne qui s’occupe de mixer fait des effets, des simulations, fait un peu sa sauce et nous on s’est dit qu’on n’allait pas faire comme ça. On allait le faire à notre sauce, brancher les têtes d’amplis et envoyer quelque chose à Nikita qui est déjà transformé pour travailler avec notre son. On trouve que ça a un énorme avantage parce qu’en live on a exactement le même son que sur l’album. Mais c’est risqué car ça laisse très peu de marge de manœuvre. Si on se loupe et si on fait les mauvais réglages sur les guitares, la personne qui va ensuite mixer aura une base moins brute à travailler. Le challenge c’était un peu ça on avait le temps de passer des heures et des heures à tout tester, tester plein de pédales, de réglages, enregistrer et écouter si on peut faire un peu mieux. Le son était un gros défi. Ensuite cela a été un peu les problèmes de planning, encore une fois on était dans une période difficile donc pour la batterie, pour réserver un studio il a fallu attendre que les studios soient ouverts. Éric le batteur nous a rejoint vraiment juste avant l’enregistrement, il a dû apprendre tout le set en peu de temps et directement l’enregistrer après. Le temps de s’imprégner, moi qui étais à la base du processus de compo, donc tout ça c’est un empilement de malchances qui fait que c’était le challenge du process qui a pris du temps parce que l’album est sorti fin 2022. Il a commencé à être écrit fin 2017 2018, les compos, les changements de line up les préprods, les enregistrements cela a pris beaucoup de temps.

Qu’est-ce qui vous a poussé à changer musicalement ?

Julien Maillant. En fait on s’est dit qu’on voulait faire une musique très personnelle sans forcément chercher à se dire faut qu’on sonne post métal ou que ça sonne comme tel ou tel groupe. On a vraiment enlevé tous les tabous. On s’est dit on va faire la musique qui nous plait à fond. Dedans il y a des influences post rock, rock parfois un coté alternatif. On s’est vraiment mis aucune limite. Tandis que sur les précédents opus je n’y étais pas il y avait au moins cette démarche-là. Là on s’est dit on repart à zéro, c’est presque un nouveau combo et même au niveau de l’approche on va faire ce qui nous plait et surtout ça doit ressembler à personne d’autre.

Vous avez trois singles qui sont sorties fin 2022 « Fast Rewind », « You'll Become a Memory », « This Mistake Again ». Qu’est-ce qui vous a poussé à mettre ces trois morceaux là en avant plutôt que d’autres ? Est-ce que c’étaient des morceaux importants pour vous ?

Julien Maillant. Le premier qu’on a sorti « You'll Become a Memory ». On a commencé par celui-ci. On trouvait que c’était lui qui faisait la liaison entre le combo d’avant et celui de maintenant. Le groupe reste le même mais celui-ci c’est le morceau le plus influencé par ce que l’on faisait avant tout en apportant les prémisses de ce qui allaient se passer ensuite sur le disque avec des parties très rythmos, avec des couleurs, des chorus, choses qu’on n’aurait pas osé faire avant. Donc c’est un morceau qui permettait de faire une belle introduction de l’album de notre nouvel univers. Ensuite on a pris le parti de sortir « Fast Rewind » qui est un morceau complètement différent. Je pense même pour nous sortir un morceau comme ça il y a cinq ans….. C’est rock, rock indus alors que c’est très sombre dans les paroles comme tout le reste de l’album. Jamais on n’aurait osé sortir un titre comme ça et on s’est dit que ça pourrait être cool justement dès le début de sortir ce morceau là en deuxième single puisque c’est le titre le plus différent de l’album. Mais finalement c’est celui qu’on préfère tous. C’est composé très facilement alors que parfois pour composer un morceau on va y passer des mois, on va faire des propositions, on va écouter on dira finalement non ce n’est pas ça. On va continuer et continuer et c’est une chanson composé très facilement et comme on l’imaginait et en plus sur l’album on est ultra fier parce qu’on a donné pas mal de cartes blanches à Nikita en lui disant voilà on t’envoie toutes les pistes et on lui donnait au moins une direction. Et puis on lui a dit fais le mix comme tu ressent la chanson, il nous a fait un retour et on était tous scotché. On s’est tous dit trop bien. C’est pour ça qu’on a voulu mettre ce morceau là en deuxième single pour tout de suite montrer une facette complétement différente de Lòdz qui a existé jusqu’à maintenant.



On voit beaucoup Éric sur les clips.

Julien Maillant. Pour l’anecdote « This Mistake Again » on l’a fait nous-même. Johan Sabatier qui est un réalisateur lyonnais et sur la vidéo « Fast Rewind » on a voulu faire un truc complètement maison, quelque chose de plus intime et je trouve que ça se ressent aussi sur la vidéo.

Le titre « Fast rewind », est-il autobiographique même si ce n’est pas toi qui écrit les textes ?

Julien Maillant. Autobiographique je n’irai pas jusque-là mais c’est très personnel. Ce sont des échecs liés à l’expérience mais qui après vont être traités de manière universelle. En fait, disons que dans les sujets que l’on aborde on parle beaucoup d’excès, de débrouille mais aussi des thèmes comme la mélancolie, la nostalgie et les regrets. C’est à chaque fois des expériences personnelles mais qui sont traitées de manière universelles parce que ce sont des notions qui sont communes à tous et finalement tout le monde peut se retrouver dedans. C’est très personnel mais pas non plus autobiographique. Inspiré de la vie. Ça reste assez large pour que ça parle à suffisamment de personnes.

Dans quel texte tu te retrouves le plus ?

Julien Maillant. Justement je pense « Fast Rewind ». C’est un titre qui me parle, qui parle beaucoup d’excès de la déconnexion qu’on peut avoir par rapport à la réalité. Parfois on sent que tout va allez vite autour de soi et on n’est plus à sa place. On s’enferme parfois dans nos travers et ça c’est quelque chose qui est assez touchant et dans lequel je me reconnais beaucoup. C’est peut-être aussi pour ça que ça fait partie de mes morceaux préférés. Il y a un côté très sensible qui ressort de ce morceau dans lequel je me retrouve.

Est-ce que tu penses que c’est une direction que vous allez développer dans le futur ?

Julien Maillant. Oui complètement. Pas uniquement comme sur « Fast Rewind » mais on savoure, non seulement on est très content mais on commence à réfléchir là-dessus. On se dit qu’il faut continuer à aller dans cette direction là mais encore plus loin. Qu’on prenne encore le temps de rebondir, de ne pas craindre de rejeter des longueurs pour développer encore plus l’univers dans lequel on se retrouve et qui nous plait énormément puisque même à jouer on travaille beaucoup le live avec les concerts qui vont arriver cette année. On est trop bien, on est vraiment dans quelque chose qu’on aime. Clairement la suite ira dans cette direction et sera encore plus approfondie.

Qui a eu l’idée du titre de l’album « Moons & Hideaways » ?

Julien Maillant. Éric, c’est Éric le chanteur qui d’ailleurs s’occupe de toute la direction artistique et graphique de Lodz. C’est son boulot et il a dessiné la pochette et trouvé le titre qui pour lui résume un petit peu toutes ces petites émotions qu’on développe sur l’album. C’est un peu ça des cachettes et des coins de nos vies qu’on explore. C’est un peu ça la métaphore autour de cet opus.

Vous avez déclaré sur Facebook « Faire une musique comme la nôtre ce n’est déjà pas toujours simple ». Quels sont les écueils en France que l’on rencontre lorsque l’on joue du rock, du hard rock, du metal ?

Julien Maillant. C’est vrai qu’en France les choses se développent heureusement. Mais on n’est pas le pays qui a la culture la plus métal. Honnêtement je pense que notre public on le trouvera plus facilement dans des pays nordiques, l’Allemagne ou l’Europe de l’Est. On en a en France mais c’est moins développé surtout pour des trucs dans notre registre. On fait quelque chose un peu moins codifié, un petit peu moins mainstream, même notre prod est en dehors de certains codes parfois un peu plastique dans le métal. C’est plutôt cool ça apporte une fraicheur et les retours ont du coup été très positifs. Toutes les chroniques qu’on a eu depuis la sortie de l’album encense ce côté frais, ce côté ça fait du bien d’entendre un métal qui ne va pas être trop surproduit et qui ne va pas chercher à être le plus mainstream possible. Donc les retours sont positifs et on voit quand même en France qu’il se passe des choses même si on aimerait que ce soit plus comme en Angleterre ou en Allemagne. On n’y est pas encore mais ça va dans ce sens-là quand même.

C’est facile pour un groupe français de se développer dans l’univers musical actuel ?

Julien Maillant. Honnêtement ce n’est pas évident, c’est un challenge au quotidien. Après évidemment c’est la passion qui nous anime mais c’est un véritable défi. Beaucoup de groupes très différents. Nous on est indépendant on a la chance de travailler avec un label lyonnais. A part ce label là on fait tout, tout seul notamment le booking, la com et plein d’autres choses. Ce n’est pas évident surtout qu’il y a un peu un phénomène de saturation. On parle souvent du Covid mais encore maintenant il y a eu tellement de choses qui ont été créées pendant ces périodes-là. C’est quelque chose de bien mais le fait que tout arrive en même temps et que ça arrive d’un coup fait que le réseau est vite saturé. Surtout qu’en France on n’a pas un réseau assez large pour permettre à tous les groupes qui souhaitent sortir des albums de s’exprimer autant qu’ils le voudraient. On est un peu dans cet ordre-là où il se passe beaucoup de choses et on essaie de faire notre bout de chemin dedans. Alors ce n’est pas tous les jours faciles mais on avance petit à petit et le fait d’avoir des retours, d’avoir des gens comme toi avec qui discuter au téléphone ça nous permet de rester motiver et d’avancer. On met notre pierre à l’édifice dans le métier du rock et du métal en France. Il ne faut rien lâcher.

Comment est né ta passion pour le metal ? Quel a été ton parcours avant ton arrivée chez Lòdz ?

Julien Maillant. J’ai commencé comme beaucoup à écouter de la musique à l’époque du collège du lycée. Je commençais à découvrir les musiques d’un pote, je n’appartiens pas à une famille de musicien ni qui écoutait d’ailleurs beaucoup de musique. Je ne suis pas né ni dans le rock ni le métal en revanche c’est arrivé à l’adolescence avec des grands classiques comme Nirvana, Metallica, Maiden plus tous les premiers groupes que tout le monde connait avec qui beaucoup de gens commencent. J’ai commencé la musique à peu près dans la foulée et commencé la basse directement. A la base je suis plus influencé par la musique des années quatre-vingt-dix, tous les combos un peu grunge Pearl Jam, Alice in Chains, Soundgarden etc et puis j’ai roulé un petit peu mon chemin après dans le heavy metal et au fur et à mesure que ma culture musicale se construit je suis devenu de plus en plus extrême, quand j’en suis venu à crier dans les chansons. Je suis aussi un gros fan de punk et de hardcore et toutes ces dérivées. Donc j’ai eu plusieurs groupes auparavant plutôt rock. Mais à chaque fois le fer de lance c’était de jouer de la musique à émotion. C’est pour ça que quand j’ai découvert Lòdz déjà j’étais fan et quand j’ai eu l’opportunité de pouvoir passer une audition je n’ai pas forcément le même parcours musical qu’eux au niveau des influences mais on avait ce point commun de l’émotion qui était un peu Katatonia, Flunk, tous ces groupes-là. Je me suis construit après une culture un peu plus post quand j’ai commencé à jouer avec les gars de Lòdz. C’est marrant mais la plupart des influences que Lòdz a comme Paradise Lost etc. sont des groupes que j’ai découvert et appris à connaitre quand j’étais avec eux.

Quand tu as passé l’audition, est ce qu’il y avait d’autres musiciens qui postulait ou tu étais le seul ?

Julien Maillant. Il y avait d’autres bassistes, plusieurs à postuler. Je crois que j’étais le premier à passer. L’audition s’est très très bien passée, du coup j’étais très confiant. Nickel. J’ai fait le taff. Je m’étais équipé avec du matériel pour avoir le son de basse qui se rapproche le plus de ce qu’ils avaient l’habitude mais comme je te l’ai expliqué il y avait un challenge car je ne joue pas au médiator, je joue au doigt. Je me suis dit j’espère que ça va passer et à la fin tout le monde était content « en mode ouah ». La basse sans médiateur il n’y avait pas de patate mais on peut carrément avoir de la patate sans. Donc j’étais plutôt confiant. Après c’est beaucoup de temps avant la réponse car il fallait qu’ils testent d’autres personnes. Alors là je me suis dit est ce que ça passe peut-être que s’ils trouvent quelqu’un exactement comme avant ça se trouve plus facilement, est ce qu’ils vont vouloir partir sur quelque chose de nouveau je me suis posé quelques questions et après ils m’ont dit qu’ils étaient chauds pour travailler avec moi et je pense avoir apporter quelque chose d’un petit peu différent c’est ce qui a plutôt jouer pour moi parce que c’était dans la démarche où ils étaient à ce moment-là.

L’album a été masterisé par Ladislav Agabekov (CH) au Caduceus Studio (Nostromo, Impure Willhelmina...). Quel son aviez-vous en tête ?

Julien Maillant. Déjà on savait tous ce que l’on ne voulait pas pour commencer. C’est qu’on voulait vraiment garder la dynamique et on ne voulait pas un master hyper élevé qui était trop compressé comme ce qui se fait beaucoup en ce moment malheureusement. On ne voulait pas faire comme tout le monde où tout est à blinde et on ne sent pas la dynamique donc on a commencé à réfléchir sur des prods un peu dans ce sens-là et on avait vu que Ladislav avait travaillé avec un petit groupe Impure Wilhelmina. C’est un groupe dont on est fan qui sont assez stylés et fan du son qu’ils avaient parce que on voulait cette dynamique sur notre album. On voulait vraiment un master qui serve le mix sans l’aplatir et garder ce côté naturel. Sur que notre opus est parfois moins fort que d’autres mais ce qu’on perd en volume on le gagne en dynamique ce qui vaut tout l’or du monde.

Qu’est-ce que tu as envie de dire sur votre démarche et sur l’album aux gens qui vont vous découvrir ?

Julien Maillant. Ce dont on a envie que les gens comprennent c’est que c’est un sentiment d’introspection en nous écoutant. C’est ce qu’on a eu comme retour sur certaines chroniques, franchement allez écouter cet album-là. Écoutez le d’une traite et vous verrez c’est une véritable introspection et vous allez passer par plein d’émotions. Nous ce que l’on veut c’est ce que les gens ressentent, ce côté expérience. L’opus n’est pas très long il n’y a que neuf morceaux, il est très intense et il y a un début, un milieu et une fin. Ce que l’on veut que les gens sentent c’est ce fameux voyage au fin fond de tout ce que l’on peut ressentir.

22 Février 2023
Laurent Machabanski / Photos DR
Laurent Machabanski et Pascal Beaumont (Traduction / Retranscription)

 

HIGHWAY (Romain Chambert - Batterie) // INTERVIEW // Du Cinéma au Rock Un Seul Chemin "Highway" - Février 2023.

 
Pour la sortie de leur nouvel album chez Rock City Music Label, le groupe de hard-rock français HIGHWAY nous emmène direction l'autoroute la plus proche où ils vont nous offrir des versions revisitées en acoustique d'une sélection de leur choix, avec en cerise sur le gâteau une poignée d’inédits.
Belle rencontre avec le souriant et sympathique Romain Chambert qui officie à la batterie dans Highway, pour partager un entretien fort sympathique.

Voir l'Interview en Vidéo ICI

Peux-tu te présenter et présenter le Groupe ?

Romain Chambert.  Je m'appelle Romain Chambert et je suis le batteur du groupe "Highway". J'ai créé ce groupe en 1999 avec mon frère Benjamin. Originaire de Sète, on a commencé à jouer dans les bars en faisant des reprises d'AC/DC, Aerosmith, Deep Purple... et, très tôt, on à voulu faire nos propres compos et on essaie de percer depuis toujours. En tout cas on se fait plaisir avant tout. "Highway", c'est un groupe de Hard musclé mais pas que.. il y a de la finesse dans notre musique, du relief, de la nuance et l'on retrouve tout ça dans notre dernier album "The Journey".

D'où vient l'idée du nom "Highway"?

Romain Chambert. Tu veux la vérité où pas !? (rires). En fait on cherchait un nom de groupe. Je me souviens qu'on était dans ma chambre d'ado avec mon frère et ma copine. On s'épuisait à trouver un nom et ma copine, qui s'appelait Magali regardait notre pile de cd's et voit "Highway to Hell" d'AC/DC puis "Highway Star" de Deep Purple. Et là elle nous fait "Highway !". On se regarde et on se dit "Ça sonne !". C'est vrai que l'on avait cet univers de route, cet imaginaire un peu américain donc ça allait très bien. La route, les grands espaces, la liberté. Ça l'a fait !!

Parle-nous de la cover de l'album réalisée par Christian de Vita (Tim Burton, Slash...) et Andry "Shango" Rajoelina : comment s'est passé le choix et la rencontre ?

Romain Chambert. Je vais d'abord te parler de Christian de Vita qui a dirigé l'Artwork. C'est une personnalité. Un artiste qui travaille pour Disney, notamment, et qui a un gros pédigrée. Il a collaboré avec Tim Burton et Slash. C'est Benjamin qui est allé le chercher car, déjà, il voulait de la compétence. Il avait beaucoup aimé le clip de Slash "Bad rain" et donc il l'a contacté et ça s'est fait en 2021 lors de cette fameuse période de pandémie où l'on a réalisé le clip de "Chemical Trip" titre qui se trouve aussi dans l'album. Il est donc allé le chercher et c'est un vieux rêve qui s'est réalisé de faire ce clip d'animation. Christian l'a réalisé avec toute une équipe. On a été, évidemment, conquis et ravis. Puis on l'a sollicité pour l'Artwork de l'album. "The Journey", c'est tout un concept cinématographique, atmosphérique, théâtral et qui fait que la pochette on l'a pensée comme une devanture de cinéma. Chaque morceau peut être un court métrage, un mini-film, une série au sein d'une oeuvre plus vaste. Donc on entre dans le ciné, on écoute, on regarde et on sort. C'est ça le concept. On lui a laissé beaucoup de liberté et je pense qu'il s'est vraiment éclaté parce qu'il est pas mal censuré dans son travail quotidien pour Disney ou autre. Il ne peut pas aller aussi loin qu'il le voudrait. Mais là, Full liberté ! parce que "Chemical Trip" Ça parle de drogue, de sexe et il s'est fait plaisir de part et d'autre et sans limites. Il s'est vraiment éclaté. C'est le retour qu'il nous en a fait. Ce clip est complètement psychédélique, il est délirant. Ça été un pur régal. Quand tu le visionnes sur grand écran, je l'ai d'ailleurs regardé il y a pas très longtemps, on est très fier de ce clip. C'est encore une fois un vieux rêve qui se concrétise comme "The Journey" cet album acoustique... qui n'est pas qu'un album acoustique.

 
Quels sont les groupes qui t'ont donné envie de faire de la musique ?

Romain Chambert. Les Beatles pour ma part. AC/DC évidemment, Metallica, Nirvana, Queen, Scorpions, ces grands groupes des années 70/80/90. Ce sont nos influences majeures. Moi personnellement à partir des années 2000 tout fout le camp un peu ! (rires). Donc voilà, ce son les grands groupes de ces trois décennies. Alors, il y en a d'autres Mötley Crüe, Whitesnake. En fait, l'influence majeure du groupe c'est quand même AC/DC, Les Guns mais aussi Whitesnake et David Coverdale. Il y a ça aussi dans Highway. Ce fond blues, sensuel.

 
Comment procédez-vous pour la création des titres ? Ensemble, séparément ?

Romain Chambert.  On est tous éparpillés en France. Moi, je suis à Lyon, Benjamin Folch au chant est à Toulouse, Ben et Sam Marshal le bassiste sont restés à Montpellier dans leur terre d'encrage. On se retrouve, quand même, toujours à Sète dans notre QG local de répétitions où le groupe a été formé pour répéter. En fait, c'est quand on peut. Ça devient d'ailleurs de moins en moins fréquent mais, à chaque fois, on arrive quand même à trouver un moment pour se retrouver et bosser ensemble. Il y a un gros travail individuel en fait. Moi, je fonctionne à la mémoire. Je travaille comme ça. Pas de support. Je joue avec Ben et je me rappelle. Quand on se retrouve, les morceaux naissent d'un riff de guitare et d'une batterie qui accompagne. Sam bosse sa basse. On essaye de peaufiner, on travaille l'ossature et progressivement les morceaux s'affinent. La voix vient après. D'abord on travaille la musique et ensuite le chant. Benjamin écrit les textes, principalement, sauf exception. Là en 2023, Ben, c'est devenu le cerveau du groupe. Il fait beaucoup de choses pour le groupe. Après on arrive quand même à se retrouver. Puis, avant les concerts on répète intensivement. Là, par exemple, on joue le 11 février à Montpellier. C'est les vacances scolaires. J'amène mon fils dans la famille et direction le local pour aller bosser. Et puis, il faut que l'on travaille un nouvel album.

Comment s'est passé l'enregistrement de ces 8 titres ?

Romain Chambert. Alors au Tower studio à St Martin de Londres dans le sud, on est allés retrouver Christian de Vita pour le design. Pour le son, la production et le mix on est allés chercher Brett Caldas Lima connu pour ses collaborations avec Megadeth, AYREON, Devin Townsend et d'autres. Donc une personnalité aussi et des compétences. On était très heureux du résultat de notre quatrième album. Bret a vraiment fait ressortir notre identité. C'est un album très organique et on était très fier de ça et on voulait bosser à nouveau avec lui. Il a dit oui. On est allés chez lui dans son studio et on y a passé deux semaines. C'est resté notre plus long enregistrement. Pour ma part, j'ai passé 3 jours de percus pures et après pour les gars, ça à duré un bon moment. En fait on s'est vraiment fait plaisir. On a pris le temps de travailler nos voix, de dépasser nos limites. Il y a énormément de percussions et une orchestration. C'est pour ça que je disais tout à l'heure c'est un album acoustique mais pas que. Ça dépasse l'acoustique pure. C'est ce qu'on voulait faire au début mais en cours d'enregistrement on a eu des envies, des rêves et on s'est dit "On y va !". En plus avec Brett Caldas Lima qui s'est vachement investi dans le projet, il a fait appel à son réseau. De par son histoire Brett C'est un guitariste, chanteur. Il a pris son ancien pianiste et a appelé un ingénieur du son aux États-Unis. C'est aussi un album international avec plein d'artistes. Un jazz band californien qui joue sur "Like A Rockstar" par exemple. Ce sont de vrais cuivres pas des samples. C'est ça qui est génial. Donc ça s'est super bien passé. Une super ambiance comme souvent. On rigole tout le temps. On est sérieux mais on déconne.

Vous reste-t-il quelques morceaux non retenus ?

Romain Chambert.  Non. D'ailleurs on a créé un morceau à la toute dernière seconde "Like A Rockstar". Ça été fait jusqu'au matin même de l'enregistrement. Il manquait un titre catchy, groovy. On voulait quelque chose de funky et de sexy. Donc, non. Jusqu'au bout il y avait 3 titres nouveaux. "Like A Rockstar" qui est funky, groovy, "One" qui est plutôt pop avec un final très féérique, je trouve, et qui me fait penser à du Kiss période Psycho Circus et "The Journey" une composition de notre bassiste qui est un peu plus sombre. Et Benjamin à dit, car en fait Sam avait d'autres projets, ses propres compos, tout ne correspond pas au groupe Highway. Nous, on a trouvé que ça pouvait le faire mais on entendait une orchestration derrière. Et Bret est allé chercher Damien Morel si je ne me trompe pas pour l'orchestration. Damien Morel fait de la musique de films. C'est très cinématographique ce morceau et son orchestration lui confère une ambiance à la Tim Burton. Donc 3 nouveaux titres et 5 revisités complètement différents avec des tempos, des beats et des esprits différents. Tu passes à une ambiance piano-bar, saloon qui est très Highway. Nos origines c'est un peu ça. C'est country, c'est rock sudiste et ça sent le bayou. C'est ça aussi Highway.

 
Y a-t-il un artiste ou un groupe avec lequel vous rêvez de jouer ?
Romain Chambert. Ils sont tous morts je crois ! (rires). Non c'est pas vrai ! Avec qui on rêverait de jouer !? On a déjà joué avec les Scorpions. Je ne peux pas parler au nom des autres mais pour ma part, bien que c'est plus la même formation, je pensais aux Guns. Pour moi c'est 87/92. AC/DC également bien que je pense que, là aussi, l'heure de gloire, l'âge d'or sont derrière nous. C'est une bonne question mais je n'arrive pas à y répondre. Pourquoi pas Whitesnake ? Ils sont toujours là et ça nous a marqué. Moi avant les sessions d'enregistrement, j'écoutais toujours Whitesnake pour me motiver.

Quels sont vos projets pour les mois à venir ?
Romain Chambert.  Il y en a plusieurs. Dans les mois à venir, on a de la vidéo. On a "Chemical Trip" live qui va sortir enregistré en mars 2021. Nous avons une lyrics vidéo du titre "One", donc la love song... Peut-être un 14 février ce serait pas mal ! (rires) et nous avons le projet de faire un beau clip de "Circus Of Madness" qui est un titre phare dans "The Journey" et qui est revisité flamenco. J'ai vraiment un gros faible pour ce morceau qui pour le coup est complètement revu. On passe du Heavy au Gypsy. Après, le morceau en lui-même possède une grosse structure, une composition progressive et plein de relief. Et qu'il soit illustré par un beau clip, ce serait chouette. Donc, oui, on a ces projets là pour les vidéos. Ensuite Jouer. Ce serait bien. Ce n'est pas si facile de trouver des plans aujourd'hui. Il faut s'accrocher. Mais bon on ne désespère pas. On a des touches en Italie et en Espagne. Je pense que cette année on verra Highway de nouveau en Espagne car on sort de 3 dates espagnoles. C'était super. Pas trop de monde, c'est dommage, mais bonne ambiance. Et on aura encore collaboré avec un grand groupe. Ça nous fait toujours grandir. En Italie, ça serait chouette et puis après on va composer notre 6e album. Il faut qu'on se capte pour ça. Ce sera un album résolument hard, bien hard !

Pour finir, si vous ne deviez conserver 3 choses: un disque, un film, et un 3ème choix ? Quelle serait votre sélection et pourquoi ?
Romain Chambert.   Et bien "Back In Black", ma femme et puis l'intégrale de Stanley Kubrick.

Quelque chose à rajouter ?
Romain Chambert.  Oui, j'ai un message à faire passer. Posez votre oreille sur cet album qui est atypique, certes, mais qui permet de revisiter la discographie du groupe et qui permettra, je pense et je l'espère, de vous faire venir voir Highway en concert parce que ça vaut le coup et qu'il y a une débauche d'énergie folle qu'on a envie de partager. Donc écoutez notre album, il est chouette. Merci à toi et content d'être là.

 Interview Thierry CATTIER 
Photos Th CATTIER / SHOOTING IDOLS
ReTranscription William Chopin

 

PATRICK COUTIN // INTERVIEW // Liberté Sincérité Un Homme Vrai - Mars 2023.

Il y a des moments dans une vie, il y a des rencontres, il y a des jours avec, il y a des jours sans, mais la vie provoque certaines fois des rencontres magiques et pleines de surprise.

Patrick Coutin est un bel exemple d'une de ces rencontres magiques : en nous offrant une interview pour la promotion de son nouvel album "L'homme Invisible" sorti en mars, il nous a permis de revenir sur les point cruciaux de sa vie, sa carrière, les moments qui l'ont marqué au fil de ces années et qui en ont fait un homme, un vrai, honnête et droit, avec toute la sincérité et la gentillesse qui le caractérisent.

Il nous a donné une interview belle et toute en profondeur, sans artifice, et nous avons découvert un grand Monsieur. Je vous laisse entrer dans ses mots et découvrir son univers. Keep on Rocking.

L'interview en Vidéo ICI

Tu es né le 21 mars 1952 à Sfax, Tunisie quels souvenirs gardes-tu de tes premières années ?

Patrick COUTIN . De ma naissance à mon arrivée en France, finalement, j'ai assez peu de souvenirs. D'abord je suis arrivé très jeune. Mon père était militaire. Il était en Indochine puis est repassé par la Tunisie. Il a pris ma mère et ses deux enfants. Je sais, mais ce sont des souvenirs qui m'ont été racontés. Je me souviens vaguement d'une plage, de la maison où j'habitais avec un petit jardin devant, pas loin de la ville où l'on allait faire les courses. J'ai dû arriver en France à 5-6 ans. Malheureusement c'a s'est mal passé. On a pris le bateau puis le train où mon frère Gérard est mort. Il était tout petit, il avait 2 ans. C'est quelque chose que j'ai longtemps occulté. Et puis, on est arrivé dans les Deux-Sèvres chez ma grand-mère où j'ai toujours ma maison de famille là-bas et, très rapidement, on est parti à Saumur où mon père qui était un militaire de carrière s'était installé. Il a d'abord travaillé à droite à gauche puis il a eu un magasin et j'ai vécu à Saumur jusqu'à l'âge de 15-16 ans. Alors Saumur est une ville pas tout à fait comme l'a décrit Trust. C'est une ville qui, comme toute la France, était stricte à l'époque. On était rasés de près, on était habillés pour aller à l'école. Et Saumur était peut-être une ville plus stricte que les autres, en tout cas le lycée où j'allais. Pourquoi ? Parce que c'est une ville militaire. Donc ça se tient. C'était une grande école à Saumur et les fils de militaires, ils se trimballaient pas en chaussons dans la ville ! Mais en même temps c'est une ville où je me suis beaucoup amusé. On allait jouer sur la Loire qui est un fleuve dangereux mais remarquable.

Et donc, je suis arrivé à Paris. Et comme je n'avais rien foutu au collège, au Lycée de Saumur précisément, j'ai été envoyé en internat par mes parents à Baugé C'était pas très loin et j'ai continué à foutre le bordel en internat. Un jour, ils m'ont viré et je suis arrivé à Paris quand j'avais 16 ans en mai 1968. Je suis arrivé juste pour les vacances au début du mois de mai, non pas à Paris mais à Sarcelles, c'est à dire la banlieue parisienne et qui était une ville extraordinaire à l'époque. C'était une ville neuve mais c'était pas les banlieues telles qu'on les stigmatise aujourd'hui. Il y avait une population qui venait du monde entier. Des communautés israélites, musulmanes, indiennes et on vivait tous ensemble avec beaucoup de bonheur. C'est très drôle. Pour moi, c'était un paradis mon enfance à Sarcelles. Et donc, quand je suis arrivé, je devais être en seconde. Je suis parti faire mes courses chez Gibert Jeune pratiquement le jour où la plus grosse manifestation du début de mai 68 a eu lieu. Donc je me suis retrouvé là dedans. J'ai trouvé ça fantastique et j'ai abandonné le foot tout de suite pour m'en occuper car je trouvais ça marrant. Et puis c'était ma génération qui foutait le bordel et qui se révoltait. Par la suite j'ai continué à être un mauvais élève en embêtant le proviseur du lycée de Sarcelles qui m'a viré mais qui m'a trouvé une place au lycée Condorcet. J'étais un mauvais élève mais je n'étais pas idiot et les profs m'aimaient bien. Donc, de Condorcet, j'ai passé mon bac en candidat libre car je sentais bien que je les énervait aussi.

Et je suis entré à la Sorbonne où j'ai fait des études de psychologie, d'arts plastiques, de littérature et de philosophie que j'ai abandonnées juste avant le doctorat de philo pour partir aux USA. Et là j'ai passé presque deux ans en Californie où j'ai traîné à droite, à gauche. Lorsque je suis revenu, j'avais l'intention de reprendre mes études mais c'était trop tard. J'ai bien essayé mais ça n'a pas marché. Et là, je suis avec des copains et on a commencé à rentrer dans la musique parce que le monde d'où l'on venait et que l'on voulait changer politiquement, finalement n'avait pas changé du tout. Il y a quelques uns d'entre nous qui devenaient violents et qui sont rentrés dans ce qu'on appelait les brigades rouges, des choses comme ça. Moi, j'avais envie de tuer personne et avec quelques copains on a commencé à faire du rock'n'roll.

Quelles ont été tes premières découvertes musicales, tes premières influences et tes idoles ?

Patrick COUTIN . D'abord, comme tous les français, je suis né avec les yéyés de ma génération. Il y avait le commandeur qui était Johnny et qui avait tout pour lui. Il était beau, il chantait bien, il était grand et il avait des tas de tubes. Ma première chanson que j'ai aimé de lui c'était "Retiens la nuit" écrite par Aznavour d'ailleurs. Et puis après on avait tous les autres. J'étais très fan de Françoise Hardy car je la trouvais sublime. Et, assez vite, on est arrivé à des chanteurs un peu différents comme Antoine, Dutronc qui ont abordé une musique qui nous ressemblait car, il faut l'admettre, les yéyés sont devenus très vite démodés. Quelques-uns d'entre eux ont gardé cet aura. C'était les trois grands, Johnny, Dick, Eddy qui sont restés mais ce mouvement a disparu très vite. Et est arrivé la musique anglaise avec les Beatles, les Small Faces... qu'on commençait a écouter le soir dans une émission qui s'appelait "Salut les copains"et un peu plus tard la nuit sur RTL. Et là on a eu nos premiers émois de rock en anglais. On commençait à apprendre l'anglais en France. On était pas très bons mais on y allait. Et donc on comprenait un petit peu. Le premier groupe que j'ai aimé c'était les Rolling Stones, ça c'est clair, mais j'aimais bien les Small Faces. Tous les groupes un peu durs me plaisaient bien. C'était l'époque des 45 tours encore, donc il y en avait peu.

Puis à partir de 1967 sont arrivés les albums concepts et on peut dire qu'on a presque tout pris. On ne faisait pas de différence. On aimait Jethro Tull autant que les Rolling Stones, King Crimson, Mahavishnu Orchestra. Pour nous tout ça c'était extraordinaire. Et ça reste extraordinaire encore aujourd'hui. Tout est réédité en permanence. Et c'était des musiciens fabuleux. On oublie de penser que les meilleurs musiciens du monde, à l'époque, se mettaient dans le rock. Quand tu vois que tu avais Jimi Hendrix, Jimmy Page, Eric Clapton au même moment, même s'il y a de fantastiques guitaristes aujourd'hui, certains dans le Jazz, d'autres dans la musique classique, là tout le monde se mettait dans le rock parce que c'était la musique d'une génération. Et en 5 ou 6 ans, je pourrais peut-être te citer 100 disques. Et des idoles j'en ai eu plein, notamment Hendrix, les Doors, Cream, les Rolling Stones bien évidemment et aussi des groupes qui ont un peu disparu, comme Love, Family. On écoutait vraiment beaucoup de choses.

A quel âge as-tu commencé à apprendre à jouer d'un instrument puis à écrire tes premières chansons ?

Patrick COUTIN . L'âge je ne peux pas te le dire exactement. Mon père était musicien pas professionnel mais il jouait de la trompette et du violon, très bien d'ailleurs. Il prenait n'importe quelle chanson et il la jouait. Il a voulu m'apprendre à jouer du violon mais j'ai refusé car ça ne m'intéressait pas. J'ai toujours eu un côté cancre. Dès que mes parents voulaient que je fasse quelque chose, je ne voulais pas le faire. J'adorais mes parents mais je voulais faire à ma façon. Et quand j'habitais à Sarcelles c'est là que j'ai découvert le rhythm and blues. D'ailleurs il y avait, dans la même tour que moi, une famille d'origine antillaise qui écoutait beaucoup de musique américaine.
James Brown, Otis Redding, etc.. il y avait un frère et une sœur qui étaient magnifiques et qui étaient aussi beaux l'un que l'autre. Ils faisaient des boums de temps en temps chez eux. Pas systématiquement mais un week-end tous les deux mois environ, il y avait une boum pour un anniversaire et donc j'étais invité car je faisais partie des gamins de l'immeuble. J'écoutais cette musique et je voyais ces gens qui dansaient, car nous autres petits français on dansait assez peu à l'époque. Je devais avoir 17 ans. Les gens qui venaient des Antilles ou d'Afrique dansaient. Ils s'éclataient et dansaient le rock avec des pas et je voyais ça en me disant c'est pas possible. Et cette fille était tellement belle que je me suis dit il faut que je devienne musicien pour qu'elle tombe amoureux de moi.

Donc j'ai acheté une guitare espagnole pour faire du funk et ça n'a pas du tout marché mais ça été ma première envie. Après, j'ai fugué très tôt. C'était un été, on devait être en 1968. Je suis parti, après mai, dans le sud de la France avec ma guitare et là j'ai rencontré plein de gars qui faisaient la manche. Beaucoup d'anglais, des hippies et je suis devenu copain avec une anglaise. J'ai commencé à jouer ma première chanson qui devait être dans le style d'Antoine je me souviens plus vraiment. C'était quelque chose de simple avec juste trois accords. On se mettait dans un coin de rue, on chantait et on récupérait deux francs. Et c'est resté comme ça pendant longtemps. C'est vers les années 70-72, ça paraît court mais pour nous à l'époque c'était très long trois ans, où là on a commencé à vouloir faire du rock avec mes amis. Il y en a un qui jouait déjà un peu de batterie, l'autre un peu de basse. Donc là je me suis acheté une vraie guitare, une Fender Stratocaster rouge et je m'y suis mis. Il faut se souvenir qu'à cette époque il n'y avait pas internet et pour apprendre une malheureuse chanson en 3 accords c'était la croix et la bannière. Personne ne savait comment on faisait du rock'n'roll en France. Il y avait de très bons jazzmen, des musiciens de bonne qualité qui faisaient de la musique dans des bals, des choses comme ça. Mais jouer du Beatles ou jouer saturé, on ne trouvait pas une distorsion. Donc on va dire que le début des compositions c'a été timidement vers 1972.

Tu fondes «Reporter» en 1977 ton premier groupe puis tu part pour San Francisco Raconte nous cette expérience ?

Patrick COUTIN . Je ne sais plus comment s'appelait mon premier groupe. C'était un groupe avec des copains, le groupe du lycée. Un coup c'était l'un qui jouait de la basse, le coup d'après c'était l'autre qui jouait de la batterie parce qu'ils avaient autre chose à faire ou parce qu'ils étaient en vacances. Mais c'est là que j'ai commencé mes premières compositions. J'étais en 1ère, je devais avoir 17 ans. C'était un ami qui chantait et moi j'ai commencé à écrire des chansons. Je me souviens qu'à l'époque, c'est marrant, je voulais mélanger le rock et le reggae. J'étais fan de Bob Marley et j'essayais de faire des chansons en accordant les deux. C'était compliqué pour un mec qui ne savait pas bien jouer. Donc ça c'est les tout débuts. Par la suite j'ai vécu une époque, je dirais, un peu dangereuse et un peu bizarre. Je me suis retrouvé en taule car j'avais fait des conneries dont une plus grosse que les autres avec les copains où l'on a cassé une vitrine pour piquer un magnéto quatre pistes parce qu'on voulait faire un album. Et là quand on on est ressortis et qu'on a réglé cette affaire pour laquelle on avait passé trois semaines dans une vraie prison, c'était pas simple. J'ai senti qu'il fallait que je bouge et avec un ami on est partis.

On avait découvert un groupe qui s'appelait Grateful Dead lors d'un concert à Paris alors qu'on travaillait l'été pour gagner un peu de sous à Roissy. On était bagagistes et on travaillait toute la journée dans une espèce d'immense cave. Et on s'est dit "Tiens on va aller en Californie voir ce qui se passe un peu". C'était la fin du mouvement hippie mais il perdurait encore. Il y avait là là-bas Grateful Dead, Jefferson Airplane... tous ce groupes qui nous fascinaient. Donc c'était facile à l'époque. On avait 100$ de traveler’s chèques et on a pris un aller simple pour San Francisco. C'est là que Je me suis cassé le tendon d'Achille juste avant de partir. Donc mon ami est parti seul et je l'ai rejoint plus tard. Finalement, j'ai passé deux années là-bas. J'étais parti avec ma guitare quand même. Je l'avais acheté à un bon guitariste qui avait accepté de me vendre une Stratocaster que je possède toujours, qui est ma guitare. Je l'ai emmené avec moi et avec le pied dans le plâtre c'était pas facile. On a vécu presque deux ans à San Francisco et à Los Angeles à faire de la route comme des clochards. Après on s'est quand même acheté une vieille bagnole, on faisait des vendanges, des travaux de peinture, des petits boulots clandestins puisqu'on avait juste un visa de 6 mois. Au-delà, il n'était plus valable. Et là tu te prends quand même une gifle musicale quand tu te trimballes à San Francisco car à l'époque les plus vieux c'était des musiciens comme John Lee Hooker qui jouait dans un bar et les plus jeunes c'était Santana, Creedence que tu voyais jouer dans des parcs gratuitement toutes les semaines.

Et quand tu n'avais pas d'argent, tu allais à l'entrée des concerts, tu disais "Je suis désolé mais j'ai pas d'argent" on te répondait "Mais rentre". Et donc j'ai vu un nombre de concerts que tu n'imagines même pas. Même dans les clubs on rentrait gratuitement. Des clubs qui étaient pourtant des endroits pour adultes. On a vécu ça plein de fois. On a vécu dans la musique pendant presque deux ans parce qu'elle était partout en Californie. Et là, je suis rentré en France et j'ai crée "Reporter" avec des copains. J'ai d'abord commencé à écrire des textes pour des copains qui faisaient de la musique et qui me disaient "Tu ne veux pas nous écrire des textes ?" Car je suis devenu journaliste à "Rock'n'Folk" assez vite. Un jour j'étais parti acheter des cordes et je suis passé devant la rédaction du magazine et je me suis dit "Voilà un métier pour moi". Je parle un peu anglais, je peux interviewer des artistes anglais donc je suis monté, j'ai frappé et je suis tombé sur deux messieurs qui étaient Philippe Paringaux et Coquelin Je leur ai dit que je venais d’Amérique où j'étais journaliste. Mensonge éhonté. Je voulais savoir s'ils avaient besoin d'un journaliste car je connaissais bien le matériel. Et c'est vrai que je m'intéressais déjà beaucoup au matériel. Philippe Paringaux m'a dit "faîtes-nous un article sur le matériel d'un groupe, apportez-le nous, on le lira et on vous dira". Pas facile, car les groupes étaient anglais. A l'époque, je lisais le "New Musical Express" et il y avait justement un article sur le matériel de Genesis qui était très long avec tous les détails. Donc j'ai repris une partie de cet article, je l'ai réécrit en français pour décrire le matériel du groupe. Je l'ai envoyé ou porté, je ne me souviens plus et...pas de nouvelles. Et un matin quelqu'un me dit "Patrick, il y a un article de toi dans "Rock'n'Folk". Patrick Coutin, c'est bien toi ?" En fait, ils avaient publié mon article. Du coup j'ai commencé a écrire dans le magazine.

Donc quand tu écrivais dans "Rock'n'Folk" à l'époque ça devait vendre 200 à 300.000 exemplaires. Ça rigolait pas. Et tu devenais un mec important même à Sarcelles. J'étais pas riche mais je voyageais, j'avais les disques gratuits, c'était le top ! Et là ces copains qui avaient un groupe m'ont dit "Ecrit-nous des chansons". A l'époque je pensais pas que j'étais un mec important mais ils avaient dans la tête de dire "Si par hasard c'est Coutin qui écrit nos chansons, peut-être que ça va lui permettre d'aller un peu plus loin". Et puis un jour le guitariste de ce groupe est parti. Donc comme je jouais de la guitare, ils m'ont dit "Tu n'as qu'à jouer de la guitare". Et un jour c'est le chanteur qui est parti et ils m'ont dit "Puisque ce sont tes chansons, tu n'as qu'à les chanter" et là on a commencé à travailler à quatre puis finalement on a fini en trio et on a créé "Reporter" un groupe qui avait un petit concept à l'époque, qui était assez rock, qui voulait parler du monde, des choses. Un groupe témoignage. C'est donc là que s'est créé ce premier groupe.

Existe-t-il des traces de «Reporter» ?

Patrick COUTIN . J'ai une cassette que j'ai jamais réécouté et elle est quelque part chez moi à la campagne. On avait fait une collecte auprès de nos amis pour enregistrer un 45 tours. On était allés dans un studio rue de Seine et on s'était vautrés. Mais en fait "Reporter" c'est le premier album de Coutin. En réalité la musique qu'on faisait c'était celle-là et celle qu'on a enregistré par la suite. On l'a enregistré comme si l'on était "Reporter" sauf que le groupe, le temps que le disque soit vendu, a explosé. Donc le témoignage de "Reporter" c'est "j'aime regarder les filles", "Fais moi jouir", "Urban Guérilla", tous ces trucs là. Bref, on était plus que trois à l'époque. Quelques fois on jouait avec un guitariste, quelques fois avec un clavier. On jouait ce répertoire et on voulait faire un disque car à l'époque tout le monde voulait faire un disque. Mais c'était compliqué et ça coûtait très cher. Et puis ce qu'on avait tenté de faire dans un studio n'était pas inaudible mais pas loin. On avait essayé quelque chose qu'on avait pas les moyens de faire. Je voulais chanter, par exemple, une chanson en murmurant ce qui était une belle idée en soi. Sauf que murmurer sur du rock'n'roll, t'entends rien. On voulait faire un truc un peu provoquant qui s'appelait "2'35 de plaisir " qui était une parodie de "2'35 de bonheur "d'une chanteuse française. Mais chanter comme un gars en train de faire l'amour, ça marchait pas du tout. Un truc avec des soupirs c'était n'importe quoi. En même temps j'étais encore un peu journaliste.

Et un jour je suis parti à Hérouville pour interviewer Magma. C'était compliqué d'y aller. Il fallait prendre le train jusqu'à Pontoise et après il fallait faire de l'auto-stop jusqu'à Hérouville. Tu traversais 15 km de champs de tournesols. Et là, j'ai pas eu de chance car Magma n'arrêtait pas de s'engueuler. Ils étaient en train de s'insulter et ça criait de partout. Du coup mon interview pour "Rock'n'Folk a tourné court. L'ingénieur du son de l'époque qui s'appelait Laurent Thibault à dû me prendre en pitié parce qu'il s'est dit le pauvre, il a fait tout ce voyage. Donc nous avons un peu parlé il m'a demandé ce que je faisait. Je lui ai dit que j'étais journaliste à Rock'n'Folk bien qu'il devait le savoir car à l'époque j'étais un peu innocent. Et il m'a dit "Vous faites quoi d'autre ? Vous êtes vêtu un peu comme un musicien". Je lui ai répondu que j'avais un groupe avec des copains. Et là il me dit "Vous avez quelque chose à me faire écouter ?" Je lui répond que non. Que ce qu'on a fait est mauvais. Et il me dit "Quand vous reviendrez, faîtes moi écouter quelque chose.. si vous revenez". Et je suis reparti. Un mois plus tard lorsque Magma a achevé son album pour lequel une fête était organisée à la maison de disques, il m'a invité pour faire partie de la fête et je lui avais apporté une cassette de répétitions en lui disant "Si vous voulez écouter voilà ce qu'on fait". Il m'a rappelé en me disant "C'est pas mal ce que vous faites mais c'est pas bien enregistré. Il faudrait que ce soit fait dans de bonnes conditions. Si j'ai une journée de libre et que j'ai du temps, je vous appellerais et on fera une maquette".

Le temps à passé. Et un jour le téléphone a sonné et ma mère me dit "Il y a un monsieur Laurent Thibault qui veut te parler". Et là, il m'a dit "Demain dimanche le studio est libre. Si vous voulez, vous venez". On a chargé l'ampli, la batterie et on est parti à Hérouville. Et notre coup de chance c'est que Jacques Higelin qui devait prendre la suite le lundi à mis 15 jours à arriver. Du coup on est resté là-bas et on a fait l'album. C'est très difficile d'enregistrer pour la première fois de ta vie dans un studio. C'est comme si tu as une loupe sur toi en permanence. C'est épuisant. On était pas sûr que ce soit vraiment un avenir pour nous. Et là tu comprends qu'il y a une vraie différence entre Led Zeppelin et toi. Tu vois très bien que ton solo de guitare ne va pas très loin quand tu écoutes Jimmy Page à côté. On est donc reparti chacun de notre côté. Moi, je voulais me lancer dans la technique. J'étais en train de devenir sonorisateur du Gibus qui était un endroit où passaient plein de groupes que j'aimais. Mais les nouvelles étaient pas bonnes car Laurent Thibault qui espérait un peu que mon nom de journaliste me permette de vendre l'album n'a pas réussi à le vendre. Et nous on s'en foutait en fait, moi le premier. C'était là, on l'avait enregistré, c'était des maquettes et personne n'en voulait. On a continué à jouer au Gibus, dans des fêtes, etc... et un jour un mec qui s'appelle Daniel Lesueur, qui est toujours journaliste, est venu nous voir et nous a dit "Les gars, je trouve génial ce que vous faites. Je produit un album". On lui a dit "Écoutez, on en a fait un l'année dernière. Personne n'en veut de notre album. Il s'est vautré de partout. Donc on a pas vraiment envie de se relancer là dedans et vous allez dépenser beaucoup d'argent pour rien". Il nous a répondu "Et bien faites-le moi écouter".

Donc on lui a donné la cassette et il nous a dit "C'est super! Il est génial votre album". Donc il est parti démarcher et il a trouvé plusieurs maisons de disques qui étaient intéressées. Comme quoi le monde est bizarre. Il a recontacté Laurent Thibault et on a été littéralement vendus à une boîte qui s'appelait CBS. C'est à dire que le disque leur appartenait. J'avais pas le choix, il a fallu signer. Le bassiste avec qui j'étais, on parle toujours "Reporter", ne voulait plus vraiment faire de la musique et souhaitait devenir inspecteur général de mathématiques, ce qu'il a fait d'ailleurs. Puis entraîneur d'athlétisme puisque c'était sa passion. Et à l'époque CBS n'avait vraiment pas envie de s’embarrasser avec un groupe et nous a dit "On le sort mais sous votre nom". Le batteur n'était pas très enchanté de l'affaire mais on avait guère le choix. On a touché si je me souviens bien, pour notre album, 20.000 francs de l'époque qu'on a partagé. On a pris 7000 francs chacun. Et puis l'album est resté là pendant un an et est sorti plus tard. Donc c'est pour ça que lorsque tout le monde me dit que je suis un chanteur des années 80, je dis non. Cet album a été fait en 1979. C'est vraiment de la musique de la fin des années 70.

 
Quel effet ça fait d'avoir un gros tube avec «J’aime regarder les filles» ?

Patrick COUTIN . Ça n'a pas cartonné tout de suite. C'est sorti en mars et tout le monde l'a refusé parce qu'un garçon qui s'appelait Michel Castri avait décidé que c'était "J'aime regarder les filles" la meilleure chanson de l'album. Le patron de CBS à l'époque Alain Levy avait décidé de sortir "Fais-moi jouir" parce qu'il trouvait que c'était trop sexy. Et donc ils ont sorti cet album. A l'époque tu n'avais que des majors. Tu avais RTL et Europe 1. Et toutes les maisons de disques ont dit non. Pas question, on joue pas ça. C'est trop rock, trop coquin, trop provocateur. Et donc c'était râpé dans une certaine mesure. Pour moi la maison de disques avait dit personne n'en veut. Pourtant il y avait eu une campagne de pub et ils avaient mis quand même un peu de moyens. Quelques articles de presse, aussi, mais on était pas à la mode. Et puis est arrivé mai 81 avec les élections présidentielles où Mitterrand s'est fait élire. Et là-dessus, il y avait plein de gens qui attendaient pour lancer les radios libres. On a pensé que c'était un mouvement spontané mais pas du tout. Beaucoup avaient déjà investis dans des émetteurs, plein de choses comme ça. Sous le gouvernement précédent tu ne pouvais pas mais Mitterrand avait visiblement décidé de laisser faire. Et c'est là que le titre à démarré parce que les radios libres se sont emparées de ça, parce que c'était pile ce qu'elles voulaient. C'était rock, jeune, libre, provoquant et pour elles c'était cool. Et donc, subitement, c'est devenu un tube. Mais c'est devenu un tube à la fin de l'été puisque ça n'a cessé de grimper durant l'été 81. Et quand je suis rentré à Paris, effectivement c'était un tube. Mais franchement tout ça me passait au dessus de la tête. Et quand j'y pense, aujourd'hui, je me dit que vraiment j'étais innocent. Je ne me rendais compte de rien. Donc tu te dis, très bien, j'ai fait un tube. Et on a commencé à m'inviter à droite, à gauche. Le plus étonnant c'est, qu'en septembre, on va dans un endroit qui s'appelle le Bus Palladium, avec mes potes, habillés comme des clodos comme on était tout le temps mais en faisant attention. On était des clodos déguisés en pingouins avec les cheveux longs mais en même temps avec une cravate et tout. Et on essaie d'aller au Bus Palladium pour aller écouter un groupe qui devait être les Troggs ou quelque chose comme ça et on se fait virer comme d'habitude. On arrive à la porte, le mec nous regarde et nous dit "vous, non ! mettez vous sur le côté" alors que c'était quand même du rock pour les rockers. Deux mois plus tard un mec de la maison de disques m'invite au Bus Palladium et, là, tu as Champagne, des mannequins partout autour de toi et dès que tu dis un truc idiot tout le monde rigole. Et tu te dis si c'est ça le succès !?.. T'avais pas l'impression que c'était toi le succès. En fait tu avais l'impression que c'était ton succès mais que ce n'était pas toi quon aimait. C'était juste le succès. C'est la célébrité ! D'ailleurs aujourd'hui encore ce que l'on aime c'est le côté connu. Parce que c'est allié avec le pouvoir, avec l'argent. Donc moi, ça m'a pas plu. Dans un premier temps j'ai dis à CBS, "J'arrête, j'ai fait un album, je suis content. Maintenant je vais faire ce que j'ai toujours rêvé de faire c'est à dire écrire un livre". Et puis, évidemment, tu commences à toucher de l'argent de ton succès. Tu fais des concerts, tu invites tes potes, enfin ! et tu te rends compte que le côté intéressant d'être un vrai musicien c'est que, subitement, on te demande d'écrire des chansons. Donc j'ai fait un deuxième album pas très joyeux, un album très sombre qui s'appelle "Un étranger dans la ville" qui, évidemment, n'a pas fonctionné. Car cette fois-ci c'était franchement du rock un peu lourd qui parlait de la drogue, de prostitution, qui parlait de tout ça. Et tout le monde a dit "On croyait que c'était un chanteur pour midinettes. Qu'est-ce qu'il nous fait celui-là !?" Il nous fait "Joe et Cathy", l'histoire de Aldo Moro, et des machins comme ça". Mais ça m'allait. J'avais trouvé ça plutôt bien comme façon de sortir du truc.

Tu as aussi enregistré ton second album « Un étranger dans la ville », au Château d’Hérouville avec Dan Ar Braz et les musiciens de Higelin. C'est un album plus sombre, parle nous de cet enregistrement. ?

Patrick COUTIN . Cet enregistrement a été une catastrophe. Moi-même, comme je te l'ai dit, j'avais moyennement envie de faire ce métier. Mais par contre j'avais beaucoup de moyens. Pour preuve, j'avais de supers musiciens comme Dan Ar Braz. Le château d'Hérouville était sur sa fin. Tout le monde était défoncé à l'héroïne dans cette affaire sauf moi car je ne prenais pas ce genre de truc. J'avais vu trop de gens mourir. De ma génération, beaucoup sont morts de cette saloperie. Donc, Il y avait de grands bassistes avec moi et de supers musiciens. On ne peut pas dire que ce soit un album raté. Je trouve que les chansons sont bonnes et les musiciens sont excellents mais c'est l'album de la fin de l'innocence. Jusque là j'avais fait ce métier, rêvant. Au château d'Hérouville je connaissais tout le monde, de la femme de ménage jusqu'à la femme du patron. Et subitement tout est parti en sucette avec ces drogues. Moi je fais partie d'une génération de drogués mais nous c'était la marijuana et le LSD. C'était des drogues qui t'ouvraient aux autres. Avec l'héroïne et plus tard la cocaïne, ce sont des drogues qui te renfermaient et qui te coupaient des autres. On était dans un monde qui était en train d'exploser. Donc cet album, qui n'était pas mauvais, reste un mauvais souvenir pour moi. Bien que je joue toujours sur scène "un étranger dans la ville". Car il faut comprendre une chose. Tu peux faire une chanson que tu adores. Si par hasard pendant la chanson que tu adores tu perds ton meilleur ami, ça reste la pire chanson de ta vie. Quand tu es artiste, comme un être humain normal, tu vis avec tes émotions et tu te souviens plus de tes émotions que des petits faits ou comment tu as composé, etc...Moi je me souviens de mes émotions. Est-ce que j'ai aimé ce moment, est-ce que je ne l'ai pas aimé ? Autant le premier album, à Hérouville, était une espèce de rêve de gamin autant le deuxième c'était un peu la descente aux enfers. J'avais beaucoup travaillé pour écrire les chansons, J'avais des musiciens comme Dan Ar Braz, Paganotti qui était de supers musiciens, C'était un studio qui, même s'il était un peu sur sa fin, était l'un des meilleurs studios du monde mais pour moi ça reste un moment que j'aurais bien aimé ne pas vivre.

Tu a écris dans des journaux musicaux le journalisme rock devait être bien différent d'aujourd'hui ? Des anecdotes ?

Patrick COUTIN . Je ne sais pas s'il est différent d'aujourd'hui car je n'y suis plus. D'abord on était des gamins. On avait vingt ans et tu allais voir les Rolling Stones, Ted Nugent, Santana. Quelquefois on t'emmenait. Je me souviens avoir passé 15 jours aux USA et y avoir vu dix concerts de suite. T'arrivais à New York, tu voyais un groupe. Le lendemain on t'emmenais à San Francisco, tu voyais Meat Loaf. Deux jours plus tard tu descendais à Los Angeles, tu voyais les Eagles. Donc on s'amusait beaucoup. J'aurais jamais pu me payer tous ces voyages. On descendait dans les plus beaux hôtels, on voyageait en 1ère classe, alcool à volonté. Cependant, c'était un monde assez concurrentiel. Il faut se souvenir de ça car il y avait beaucoup d'argent dans la presse à l'époque. Quand un journal vendait 150/200.000 exemplaires, il y avait la publicité. Donc pour les journalistes c'était un peu la bagarre quelquefois pour les interviews. Je me souviens d'une fois où nous étions 4 ou 5 pour interviewer Frank Zappa. J'étais passé en premier et je ne sais pas pourquoi mais il avait décidé qu'il ne ferait pas 4 où 5 interviews. Du coup il m'a gardé pendant 3 heures. J'étais content parce que je lui posais des questions techniques. Il me répondait sur les gammes, son matériel et tout. J'aurais pu faire un article de 20 pages. Quand je suis sorti, il a dit "Fini" et son attaché de presse a acquiescé. Et là je suis sorti sous les regards de haine de mes camarades qui disaient "On est là à l'hôtel de beaux-arts depuis deux heures de l'après-midi". Donc on essayait quand même, chacun, d'avoir une interview un peu différente des autres et il y avait forcément une sorte de concurrence. Mais c'était aussi un métier qui était très ouvert, dans lequel, nous autres journalistes, on cherchait tout le temps le truc à dire différent des autres. On passait beaucoup de temps à écouter de la musique, on écoutait de tout. Mais il y avait moins de choses à écouter qu'aujourd'hui. C'était un monde un peu différent mais un monde dans lequel il y avait beaucoup de productions de disques, dans lequel les maisons de disques avaient beaucoup d'argent et dans lequel on s'amusait beaucoup. Et que ce soit avec des groupes comme les Sex Pistols ou avec Springsteen ou avec d'autres, tout le monde vivait un peu cette insouciance. J'ai l'impression qu'aujourd'hui les journaux vendent moins, que les journalistes de rock sont plus dans la grande presse quand ils sont importants donc dans laquelle ils ont moins de place. Et ce doit être forcément plus difficile. Mais je ne peux vraiment pas en parler puisque je n'y suis pas, bien que j'ai quelques amis dans la presse. Par contre je trouve que c'est un peu les mêmes qu'avant. Des passionnés de musique, des gens qui écoutent des albums, qui parfois se bagarrent pour parler d'une musique dont leur rédacteur en chef ne veut pas. Et c'était déjà le cas à l'époque. Je me souviens lorsque j'ai écris sur le premier disque de Dire Straits, personne n'en voulait. Tout le monde disait "C'est quoi ça, c'est de la guitare". C'était en pleine période Sex Pistols. On a donc sorti le journal avec cette chronique. Deux mois après Dire Straits était premier dans le monde entier. Pas grâce à moi mais grâce à eux. Ce que je veux dire c'est que, quelquefois, on se bagarrait un peu pour nos idées. On était dans une presse qui était très large, très grosse. Il y avait Best, Rock'n'Folk, il y avait des pages dans les journaux qui étaient importantes notamment dans la presse hebdomadaire et mensuelle. Aujourd'hui je vois des gars comme Stan Cuesta, Bruce Tringale, des mecs comme toi. Vous arrivez, vous avez préparé votre sujet. Malheureusement vous avez un monde moins favorable.

 
Tu as du faire de belles rencontres avec des Rock Stars ? Lesquelles t'ont marqué le plus ?

Patrick COUTIN . Plein d'anecdotes. Par exemple le jour où j'ai interviewé un groupe qui s'appelait Boston. On était d'ailleurs à Boston. Je ne connaissais pas ce groupe et on me dit "Ah, c'est Boston, c'est énorme en Amérique. Pendant que vous êtes là, il faut le faire". Donc tu écoutes vite fait, tu dis "Oui c'est bien" mais tu connais pas les gars. C'était dans un grand hôtel, un palace avec une suite. Il y avait 4 ou 5 pièces où tout le monde répondait aux questions des journalistes et j'en vois un qui ne faisait rien. Je me dis "Bon c'est le mien" et j'y vais. Comme je parlais musique et aussi matériel, je me lance. A la fin de mon interview, l'attaché de presse vient me voir et me dit "Patrick, il faudrait que tu interviewe un mec de Boston". Je lui répond "Ah bon, mais lui c'est qui ?" et il me dit "Lui, c'est le manager de Boston" qui était aussi musicien.

C'était à mourir de rire! Mais au final l'article était excellent. J'ai des souvenirs extraordinaires d'interviews avec Santana, avec Ted Nugent aussi. J'adorais sa guitare qui était une sorte de guitare Jazz qu'utilisait rock. J'étais venu avec ma copine de l'époque. A la fin il me dit "Si tu me laisses ta copine pour la soirée je te donne une de mes guitares". Je dis à la fille "tu as vu cette guitare? Il y en a probablement pour 20 à 30.000 dollars. Tu vois, tu vaux 30.000 dollars pour Ted Nugent". Plein de petits trucs comme ça. En général, tous ces musiciens étaient des gens quand même très intéressants. Les musiciens Anglo-saxons jouent toujours très bien leur jeu. Ils sont dans les rails comme il faut être. C'est à dire, le gars il peut faire du yoga. S'il a décidé qu'il vendait du hard rock, il te vendra du hard rock et il ne te parlera pas de yoga. Donc déjà ce sont des gens professionnels qui se débrouillent pour que tout le monde ait la même interview. Lorsque tu sortais, tu disais "J'ai fait un truc super". Tu lisais trois journaux, t'avait la même interview. Mais c'était des gens intelligents. C'était souvent de très bons musiciens même lorsqu'ils faisaient semblant de ne pas l'être parce qu'a une période il fallait être punk. C'était des gens sympas, des gens de ta génération. Tu avais 25 ans et tu interviewais des gens du même âge souvent assez simples et agréables. Le plus dur c'était la pression du journal qui voulait que tu écrives vite car il fallait écrire vite, qui te coupait parce qu'il ne restait plus qu'une page et qui, quelquefois, voulait absolument que tu écrives sur un sujet qui ne t'intéressait pas. Mais ça, c'est le métier de journaliste. J'ai de grands souvenirs en tout cas. Un des plus beaux c'est Santana qui n'aimait pas parler de sa vie privée et qui m'a fait une démonstration de son matériel sur scène incroyable, d'une gentillesse totale. C'était, si je me souviens bien, au Pavillon de Paris. Passer une heure sur scène avec lui c'était juste énorme. D'ailleurs tout le monde se demandait "Qu'est-ce qu'il fout sur scène celui-là". J'en ai rarement rencontré de désagréables. Si un seul, Sting ! Mais je pense que lui c'était son truc d'être désagréable.

Tu écris «Gueule d’amour», un roman policier jamais paru : quelle en est la raison ?

Patrick COUTIN . Et bien, il y a plusieurs raisons. Les gens qui étaient intéressés par ce roman policier m'ont demandé de le réécrire, du moins de réécrire une partie du roman. Notamment parce que ça finissait avec des groupuscules d'extrême gauche qui devenaient des mafiosos comme c'est arrivé à plein de gens qui, au début, étaient dans la politique et en me disant que l'on ne pouvait pas parler de l'extrême gauche comme ça. Alors, je ne dirais pas qui c'était parce que je pense, qu'aujourd'hui, ça ne plairait pas. Je n'ai pas voulu changer mon texte. J'ai dis non! C'était un premier roman et je ne pense pas que c'était un truc génial. Mais j'avais oublié que j'avais écrit ce truc là et donc j'ai dis oui, je m'en occupe. Et je ne l'ai pas fait. J'ai mis tout ça dans un coin et je n'y ai plus jamais retouché.

Ton label fait faillite lors de la sortie du ton 6ème album « Aimez vous les uns les autres », a-t-il été difficile de promouvoir ce disque ?

Patrick COUTIN . Il est sorti peut-être deux jours avant la faillite. C'était très dur pour plusieurs raisons. D'une part car j'avais beaucoup d'empathie pour New Rose qui était le label de Patrick Mathé avec lequel je m'entendais bien. Même si nous étions très différents, je l'aimais bien. C'était un espèce de nounours très malin, très homme d'affaires et qui avait beaucoup de respect pour les artistes. En fait, je m'étais fâché avec CBS et j'étais parti pour une histoire de liberté. C'est à dire qu'ils voulaient que je fasse quelque chose et moi je ne voulais pas le faire. J'avais fait un disque qui n'était pas comme ils le voulaient et ils ne l'ont pas sorti. Donc on s'est fâchés et Il y a eu un procès. D'ailleurs, durant 3 ou 4 ans, je n'ai pas pu faire de musique. Et donc j'ai voulu prendre mon indépendance. Un garçon qui s'appelait Bernard Nove Josserand m'avait aidé et avait créé pour moi Louise Music qui est toujours ma société de production. Bernard était un des plus grands attachés de presse français et c'était aussi mon ami. On s'amusait comme des fous. On avait transité par une maison de disques située à Lille qui s'appelait Danceteria où l'on vendait énormément de disques. C'était la fin du vinyle et j'étais rentré chez New Rose parce que je trouvais que ça m'allait parfaitement. Des gens libres, indépendants, acceptant ce que tu étais, acceptant l'échec aussi parce que tu ne peux pas faire que des chansons qui plaisent à tout le monde. Là-dessus, alors que tout allait bien, Fnac musique qui avait racheté New Rose dépose le bilan. Et là tout s'arrête. L'album qu'on venait tout juste de finir, comme tous ceux résultant d'une mise en faillite à disparu. Ça été un moment très dur pour lequel j'avais décidé d'arrêter en me disant si c'est ça, c'est pas la peine de continuer. Je vais faire autre chose. Et puis je n'ai pas arrêté parce que, finalement, Polygram m'avait contacté en me disant "On voudrait, d'une part, sortir vos anciens albums et faire une compilation et, d'autre part, on voudrait un nouvel album. C'était un beau deal où je pouvais être indépendant et libre mais ça s'est pas bien passé non plus parce que je crois, finalement, que j'ai un problème avec l'autorité. J'ai un problème avec les gens qui me donnent des ordres. Quelquefois je me dis, ils avaient raison c'est ce qu'il fallait faire. Mais sur le coup...ça passe pas!

 
Tu produis 3 albums de Dick Rivers, "Plein soleil" "Vivre comme ça" "Amoureux de vous", comment s'est passée votre collaboration

Patrick COUTIN .  Alors, c'est Patrick Mathé. New Rose est en cessation d'activité. Patrick continue et ouvre une petite boîte. On dîne un soir ensemble et ce jour-là quelqu'un me contacte et me dit "J'ai fait des maquettes avec une jeune fille qui tourne dans Paris et j'ai entendu celles que vous avez faites. Je trouve que c'est très bien et je souhaiterais vous proposer quelque chose. Je voudrais réenregistrer les tubes de Frank Alamo". Je lui répond "D'accord mais vous savez, c'est Phil Spector. La moitié des chansons, derrière, c'est la production américaine. Les titres comme "Si j'avais un marteau", c'est pas fait en France". Et il me répond "Non, nous ce qu'on aime c'est la façon dont vous produisez avec des machines et des boîtes à rythmes". On était dans les années 85/87, peut-être même 90 et je me disais que j'allais quand même pas faire "The leader of The gang", des machins comme ça avec des boîtes à rythmes. En plus il y avait plein de réverbe. C'était la production Phil Spector. Je dis à Patrick Mathé "Je suis un peu embêté car j'avais besoin de travailler, quand même, et Warner me proposait ce projet. C'était quand même sympa de réenregistrer une vingtaine de titres qui avaient été des tubes mondiaux et qui avaient marqué les années 60 dont certains que je ne connaissais pas si bien que ça. Et il me répond "Mais tu t'embêtes pour rien, vas à Austin !" Je lui dit "Pourquoi Austin?" Et il me dit "Parce qu'à Austin tu as des musiciens partout. C'est leur musique. Ils jouent tous ça les dimanches dans les bals ou des choses comme ça. Donc, tu vas aller là-bas, tu vas faire ça en une semaine et tu auras le vrai son". Et je me dis pourquoi pas. Il me donne une adresse, j'appelle et effectivement ça rentrait dans le budget. Tu allais à Austin, tu avais un super studio donc j'y vais, je fais cet album qui prend un peu plus de temps que prévu et à la fin de cet album, on va dans le studio de Willie Nelson, qui là-bas, est une immense star. Pourquoi? Parce qu'il manquait trois jours. Et en fait, dans le studio où j'étais, il y avait le même matériel que dans celui de Willie. Les deux studios lui appartenaient et celui-ci était son studio privé. Le patron me dit "Je vais demander à Willie s'il accepte de vous louer son studio pour 3 jours". Et, là-dessus, Patrick Mathé est de passage à Austin. Il arrive dans le studio pour voir l'ingénieur du son qu'il connaissait. On parle un petit peu et il écoute le travail que je viens de faire. Et là il dit "Ah!", rien de plus. Rentré à Paris, il parle de moi à Dick Rivers en disant "J'ai rencontré un mec que je connaissais mais je ne savais pas qu'il pouvait produire et il a travaillé à Austin". Il est vrai que j'étais à l'aise. Tous étaient mes potes en une semaine. J'étais cool avec les musiciens. J'avais l'impression d'avoir vécu toute ma vie là-bas. Et il lui dit "Tu peux aller travailler avec lui à Austin". Car quand tu vas avec des français, là-bas, ça se passe pas toujours très bien. Avec lui, par contre, pas de problème. Et donc Dick Rivers m'a appelé. "Venez dîner à la maison, il faut que je vous parle". Mathé m'avait dit qu'il allait en parler à Dick car ils étaient copains. Je vais chez lui, on écoute plein de trucs, ses derniers albums, des maquettes qu'il me fait découvrir et il me dit "Je voudrais que l'on travaille ensemble". Et, malpoli comme je suis, je lui dit "Déjà, les maquettes que vous m'avez fait écouter, je trouve que c'est pas bien. Alors je veux bien travailler avec vous si vous acceptez de prendre des cours de chant". Et là, j'ai cru qu'il allait me tuer. On était à table et je me suis dit que j'allais me prendre l'assiette dans la gueule. Je vois sa femme qui me regarde de travers. En fait, il savait chanter mais je voulais enlever les tics. Je lui explique, "Vous avez plein de tics que vous avez accumulés avec le temps. Vous avez une voix qui est très belle mais il faut enlever ces tics. Il faut chanter plus simple". Il me dit "Oui, mais je suis Dick Rivers!". Je luis dit "Je sais mais si vous me faites venir pour travailler avec vous c'est pas pour faire le même album que vous avez enregistré, qui s'appelle d'ailleurs "Holly Days in Austin", il y a 3 ans. C'est pour essayer de trouver autre chose". Et là il rétorque "Non, c'est pas comme ça que je veux travailler". Je lui répond "Merci pour le repas, je suis ravi de vous avoir rencontré" et je lui demande un autographe au passage pour un pote.

Un mois après, le téléphone sonne. "Bonjour, c'est Dick !" Je lui dit "Bonjour Dick, comment allez-vous ? car on se vouvoyait à l'époque. Et il me dit "Mais à qui vous pensez comme prof de chant ?". Je lui répond "Laissez-moi réfléchir...Ce que je veux dire au fond c'est qu'il faut que vous acceptiez de changer votre façon de chanter. Si vous acceptez, le professeur auquel je pense c'est moi. Vous enlevez la patate chaude de la bouche, vous remontez un peu la voix, vous ne vous servez pas tout le temps de vos basses et si vous êtes d'accord pour que l'on essaie ça, je suis d'accord pour que l'on fasse des maquettes". Et là il me répond "Non, moi je ne fais pas de maquettes. Il paraît que vous travaillez à Austin, que vous travaillez dans le studio de Willie Nelson ?". "Oui mais je ne sais pas s'il acceptera de me faire travailler chez lui. et là il me dit "Oui ça m'intéresse, venez me voir". Donc je suis parti le revoir et il m'a dit "Je veux que vous fassiez mon prochain album, je veux que vous trouviez les chansons, que vous m'écriviez des chansons et que vous dirigiez les séances d'enregistrements. La première chose que j'ai fait a été de rappeler le patron du studio de Willie Nelson en lui demandant s'il voulait bien me louer son studio. Car un gros album ça prend au moins 1 mois et demi. Le patron m'a répondu "Ah non c'est pas possible". Je lui dit "Mais est-ce que vous voulez bien lui demander quand même ?". Il me répond "Je veux bien mais Willie n'acceptera jamais de ne pas avoir son studio pendant un mois et demi. 3 ou 4 jours tout au plus". Il me rappelle 3 jours plus tard et me dit "Willie est d'accord, il vous loue le studio". Pour moi c'était un miracle.

Donc j'ai dis à Dick "Vous me donnez un an, je récupère les chansons, je prend les chansons que je veux, je vous en propose 20, vous choisirez dans les 20 mais les chansons de vos copains que vous voulez me passer, j'en veux pas. Je prend les musiciens que je veux et on y va. On va travailler et vous allez un peu souffrir car je veux que vous chantiez comme un gamin de vingt ans et que ce soit simple". Et on a fait "Plein Soleil" qui, je pense est un bel album et qui a changé la fin de la vie musicale de Dick sur lequel ça reste, finalement, du Dick Rivers pur sucre. Mais c'est vrai que c'est un album plus moderne dans le chant que ce qu'il avait fait avant où il rentrait un peu trop dans la caricature du rocker. Après l'album a été bien accueilli et Dick m'a dit "Je voudrais que tu montes mon groupe pour la tournée. Donc ça été la même bagarre car je lui ai dit "Ça sert à rien car vous me dites que vous voulez jouer avec machin, machin et machin et vous me demandez de monter votre groupe. Moi je ne monte pas un groupe comme ça. Déjà je n'aime pas votre guitariste, j'aime pas votre batteur. J'en veux d'autres". Il me dit "Ah non c'est pas possible". Une semaine après il me rappelle "Bon d'accord on y va". Je pense que sa femme avait beaucoup d'importance dans cette affaire. Et puis aussi son manager de l'époque qui s'appelait Francis Kertekian avec lequel j'étais devenu très proche. Et donc on a sélectionné 10 musiciens. J'ai gardé Chris Spedding, guitariste faramineux. Pour moi c'était presque une idole. Et on a fait Bobino. On a fait plein de concerts, de la promo avec des musiciens un peu différents, notamment un guitariste français qui s'appelait François Bégin et qui a remplacé Chris Spedding. un musicien que j'adorais. Avec un batteur comme Franck Ridacker qui était un batteur en devenir mais qui était parfait pour Dick. On a passé, je pense, 4/5 ans à beaucoup s'amuser, à faire trois albums à Austin, à faire le Live à Bobino qui était un super Live, à faire des trucs abracadabrants. On a eu, par exemple, sur scène à Paris l'ancien guitariste des Stones Mick Taylor, Chris Spedding, une chorale de Gospel de 30 ou 40 personnes. On a été complices. On s'est amusés pendant pas mal de temps.

 
Quelles relations avais-tu avec Dick Rivers ?

Patrick COUTIN . J'ai arrêté de travailler avec lui pour des raisons que je ne peux pas dire. Des raisons personnelles et familiales. Mais à un moment, il a fallu que j'arrête de travailler avec lui parce que ça interférait dans ma vie personnelle, avec mes enfants. Je lui ai dit "Dick, j'arrête !" Lui "Ah, non tu peux pas me faire ça !". Donc ça lui a permis de travailler avec d'autres personnes. Il m'appelait pour tous les anniversaires, m'invitait pour des concerts. A chaque fois qu'il faisait des chansons que j'avais écrites pour lui comme "Oh Maman merci", il m'envoyait la K7 de la répétition. Lorsque son décès a été annoncé, ça été très dur pour moi car j'avais toujours l'impression que l'on allait retravailler ensemble. Il disait souvent "Il faudrait que..." et je lui disais "Oui, un de ces jours..." Tu ne penses pas que tout peut s'arrêter si vite". Et c'a ne s'est jamais fait mais c'est resté un ami. Il avait la plus belle collection de médecins du monde. A chaque fois que j'avais un copain qui était malade je l'appelais pour lui dire "Dis-moi, tu connais pas un mec spécialiste des reins...!?" ou des choses comme ça. On a vécu une histoire magnifique, Dick et moi. Parce que c'était l'histoire de deux gars qui étaient passionnés. Il était passionné ce mec. Tu le mettait devant un bon musicien, il tombait à genoux. Quand on a fait venir ce batteur incroyable, dont j'ai oublié le nom, qui jouait sur son deuxième album et qui avait joué au sein des Mad Dogs and The Englishmen, un des plus grands batteurs mondiaux, il était comme un enfant devant un jouet lorsqu'il s'est retrouvé face à lui. On était issus de deux mondes différents, clairement, car celui des stars des années 60 était très différent du mien. Mais on était liés par cet amour du rock et de la musique qui fait que devant de la bonne musique, on devenait dingues et on pouvait passer des heures à écouter des trucs. Quand on était aux États-Unis, il voulait toujours des voitures invraisemblables, en général des Cadillac, et on passait des heures à tourner en bagnole à écouter la radio américaine. Il aimait la bonne musique et ça nous a beaucoup rapprochés. Et puis c'était un mec marrant, un petit voyou quelque part, un branleur de Nice. Il était resté comme un gamin de 16 ans qui s'amuse. Pas comme Eddy qui est une sorte de grand monsieur. Dick, c'était ça...

Tu as également collaboré avec des artistes comme Michel Delpech, Roch Voisine, Patrick Rondat les Wampas.

Patrick COUTIN .  Quand on appelle Coutin c'est qu'on veut toucher un peu au rock en France. C'est "J'aime regarder les filles", ce son et cette espèce de construction un peu inhabituelle pour une chanson puis c'est aussi, sans doute, par ce que je dégage. Avec Michel, qui était un chanteur faramineux, tu lui aurait donné ta feuille d’impôts à chanter, ça aurait été joli. C'était une relation très respectueuse. J'étais très impressionné par lui. C'était un monsieur très fragile, dans le doute tout le temps. J'ai appris beaucoup de choses en travaillant avec lui, notamment cette insatisfaction permanente. Première prise de voix c'était génial, tu en faisait cinquante derrière! Roch Voisine, c'était différent. C'était dans le cadre de collaborations à la télévision. Souvent ça passe vite. Tu as monté un groupe, il vient, il chante. Tu peux pas dire que tu connais la personne si ce n'est que, comme beaucoup de chanteurs venant du Canada, ce sont des gens très précis et très au point. Les Wampas, c'est une histoire d'amour avec Didier Wampas. A l'époque où l'on m'a proposé de travailler avec eux, c'était un groupe qui se cassait la gueule. Pour tout dire il n'y avait plus de groupe littéralement. C'est moi qui ait cherché le bassiste avec lequel ils jouent toujours. Je les ai emmené à Austin dans le studio de Willie Nelson. Je peux te dire que les américains ne croyaient pas ce qu'ils entendaient. Pour moi, Didier Wampas c'est resté une histoire d'amour. Je l'adore. C'est un chanteur qui a un courage, qui y va et qui est devenu un très bon guitariste avec le temps. Il ne jouait pas de guitare quand j'étais avec lui. J'étais pas dingue de ses guitaristes mais là, maintenant, quand je le vois sur scène, il joue de la guitare comme il faut la jouer. Un exemple ! J'ai beaucoup d'affection pour lui. C'est l'une des belles rencontres de ma vie. Alors on se regardait un peu en chien de fusil car, par rapport à Dick, c'était le vieux rock et pour lui, j'étais le jeune. Mais pour Didier Wampas, c'était moi le vieux rock et lui le jeune. On s'est beaucoup amusés et j'ai adoré le disque qu'on a fait ensemble.

Tu t'investis dans le montage et la production artistique de la comédie musicale « Ginzburg », parle-nous de ce projet ?

Patrick COUTIN .   Ca se passe dans les années 2001/2002. Je sors un album qui s'appelle "Industrial Blues" chez Polygram ou chez Phillips, je ne me souviens plus très bien du label et là, il se passe un truc qui m'est resté au travers de la gorge. L'album sort à Noël. Ils en mettent 20.000 exemplaires en place. C'est pas énorme pour l'époque mais c'est quand même une belle mise en place. Et puis, vers le 15 décembre, des amis m'appellent et me disent qu'ils ne trouvent pas mon disque. Je leur répond que ce n'est pas possible car il vient juste de sortir. Je vais chez le garçon qui m'avait signé et je lui demande comment se fait-il qu'il ne soit pas dans les bacs car, jusqu'à présent, tout s'était bien passé, les photos, la pochette, tout fonctionnait. L'avantage d'une grosse maison de disques c'est que tu as des moyens et que ça fonctionne. Et je dis à Olivier "Comment se fait-il que les gens ne trouvent pas mon album ?". Et il me répond " Je vais te dire la vérité. Aujourd'hui on vend 20.000 2Be3 par jour. Je vais pas arrêter les presses pour vendre 10.000 Coutin. Donc on le ressortira et si tu veux je te paierais un clip". C'était honnête mais je me suis dit que les Majors c'était décidément pas pour moi. Donc j'ai pris mes distances avec le monde de la musique. De là, un copain que je connaissais depuis longtemps Edgar Garcia s'occupait d'un truc qui s'appelait ZebRock auquel j'avais déjà participé, car j'avais créé des ateliers avec des musiciens pour lui, me dit "Tu sais ils montent une salle de musique à Bobigny et ils auraient besoin d'un conseiller artistique". Je lui dit "Tu sais, diriger une salle à Bobigny, c'est pas trop mon truc". En plus je sortais mon album chez Universal. Et il me dit "Quand même, tu devrais y aller". Je me rend compte qu'il veut que je candidate. C'est vrai qu'il y avait un appel d'offre pour une candidature. Donc je me suis dit que j'allais faire plaisir à Edgar Garcia et je me porte candidat. On était à 3 ou 4 mois de la sortie de mon album "Industrial Blues". Je passe un premier test, je rencontre des gens et je repars. Ils me rappellent en me disant "C'est intéressant. On aimerait que vous rencontriez le maire". Donc je repars à Bobigny, je rencontre le maire, je rencontre la première adjointe et puis le temps passe. Vers novembre/décembre, la dame que j'ai rencontrée me rappelle et me dit "J'aimerais vous reparler". Et là, le futur conseiller était devenu le futur directeur d'un lieu. Donc, je vais la voir et je lui dit "Ecoutez, c'est pas possible, ce n'est pas mon métier. Je ne suis pas directeur d'une salle de musique. J'avais dit que j'étais d'accord pour vous aider, sans même d'argent, mais je ne peux pas devenir employé à plein temps, d'une ville ou quelque chose comme ça". Et elle me répond "Oui mais quand même il faudrait que vous y réfléchissiez". Et il y avait un monsieur qui était là qui me dit "Ne vous inquiétez pas". Je me disais qu'elle n'avait pas compris ce que je lui expliquait. On sort et elle me dit "Je vais vous présenter le maire". Et elle me présente le maire de l'époque qui me dit "Bienvenue à bord, je suis heureux de vous employer !". Je dis au gars qui était toujours là, "C'est quoi ce bordel ! Je vous ai dit que je ne voulais pas" et il ajoute "Mais non, j'ai quelque chose à vous proposer. Vous acceptez pour 3 mois et dans 3 mois vous partez et vous trouvez votre remplaçant. Vous n'êtes pas obligé de venir, vous faîtes ce que vous voulez". De toutes façons, le truc n'était pas ouvert, c'était juste un bâtiment en béton. Je me dis finalement pourquoi pas ! Et c'est au bout de ces 3 mois, en décembre, que j’apprends ce truc d'Universal. Du coup, j'arrête la musique en me disant que ce n'est pas la peine de continuer. Et le mec me dit "J'aimerais vous prolonger de 3 mois". Je me dis qu'après tout, je vais le faire car il fallait que je fasse autre chose. Et donc je suis devenu, de 3 mois en 3 mois, directeur de ce truc. Ça a duré 3 ans. C'est moi qui ai trouvé le nom "Canal 93", qui ai monté le matériel. J'ai estimé qu'il fallait s'investir dans la création. C'est d'ailleurs ce que je leur ai dit "Il faut créer des choses. Il ne faut pas être seulement une salle de répétition". On avait un bel outil, on avait un studio et donc il fallait créer des choses. Il fallait faire se rencontrer du Jazz et du rap. Ça, à l'époque, ça ne se faisait pas. Et à un moment il a fallu se lancer dans une création et je tenais absolument que ça tourne autour de la rencontre entre la musique française traditionnelle et le rap. Comme j'étais un grand fan de Gainsbourg qui, pour moi, est un immense artiste, j'ai trouvé que dans la tradition française le plus adaptable aux deux mondes c'était Gainsbourg. Et donc on a monté un spectacle dans lequel il y avait du graph (?), de la danse, du rap mais aussi des rappeurs qu'on faisait chanter à la Gainsbourg et sur lequel on a beaucoup travaillé. L'idée c'était pas tellement de faire tourner le spectacle et je ne voulais pas partir en tournée. Ça ne m'intéressait pas. C'était le travail qui amenait au spectacle. Faire travailler des mômes de banlieue. Car il ne s'agissait pas de prendre des professionnels mais des mômes qui aimaient le rock, le rap et toutes ces musiques. Juste enregistrer et travailler ensemble. C'était 2 jours par semaine pendant presque 9 mois. On a monté ce spectacle qui s'appelait "Ginsburg" et qui n'était que des chansons de Gainsbourg mais avec des chorégraphies, du painting... Il y a eu débat là-dessus. Personnellement je ne voulais pas que çà devienne ça. D'abord parce que ce n'était pas fait pour ça. Après, si on avait voulu se produire sur une scène parisienne, il fallait adapter tout le truc et il aurait fallu vraiment travailler avec la famille de Gainsbourg qui aurait été d'accord ou pas. Nous, on avait travaillé ce spectacle en autarcie. On était tranquilles. Après on aurait pu dire "Monsieur, dans la chanson que vous avez arrangé, c'est pas comme ça qu'on la voit". Pourtant on avait été très respectueux mais c'était une autre affaire. C'était pas pour ça que ça avait été fait. Il avait été question de la jouer à Paris, dans une salle une seule fois, dans le cadre d'une collaboration avec une autre salle de musique. Malheureusement, ça ne s'est pas fait pour je ne sais plus quelle raison. Et c'est à ce moment là ou je me suis dit "C'est bon, j'ai fait directeur de salle de musique pendant 3 ans. Je vais refaire autre chose. Alors, c'est vrai que lorsque je suis parti, ce projet est un peu parti avec moi. Les bandes sont restées car il y avait beaucoup d'enregistrements. La salle a changé de projet aussi. C'est normal. Le patron d'une salle, globalement, c'est lui qui décide de l'optique, comment ça tourne, quel artiste se produit. Ce qu'ils ont fait après était très bien. Les gens qui y ont travaillé sont restés là 10 ans après moi et on fait que cette salle est devenue très réputée en France. Malheureusement elle a été sabordée après pour des raisons politiques. Les groupes qui y passaient me disaient "On est passé dans une salle et on nous a dit que c'était toi qui l'avait créée". J'étais très fier de ça. Ce que j'ai fait à Bobigny, j'en suis très fier, ça c'est clair !

Canal 93 a eu un gros impact sur la culture en Seine et Denis ...

Patrick COUTIN . Oui, car c'était la première fois, j'étais innocent une fois de plus, où on disait, arrêtons de penser qu'en banlieue il n'y avait qu'une musique, alors qu'il y avait de la musique antillaise, de la musique arabe, du rap qui est la musique des jeunes et que ça, ça n'existe que dans son coin. Non! Tous les musiciens peuvent jouer ensemble. Tu prends un musicien d'Afrique du sud avec un chinois, tu les laisses 2 ans ensemble, ils vont bien trouver une façon de faire quelque chose. Après, on te dit "D'accord mais vous comprenez ça risque de créer des tensions car les rappeurs qui vont voir des mecs qui aiment le jazz, ils vont vouloir..." Dîtes-moi pourquoi ça devrait créer des tensions ? Pourquoi un jazzman ne pourrait pas jouer avec un rappeur ?. Maintenant tout le monde le fait mais à l'époque on avait peur de ça. Les groupes parisiens ne venaient pas jouer en Banlieue. Quand tu leur disais de venir jouer à Bobigny, ils te répondaient "Ça va pas, on va pas jouer là-bas, c'est dangereux, ça va tourner en émeute !". Nous, on a jamais eu le moindre problème. Tout le monde vivait ensemble. Ça répétait. On avait cinq salles de répétitions. T'en avais une c'était du rock, l'autre du blues, une autre du Jazz, et aussi de la musique classique. J'ai même fait venir le conservatoire répéter là-bas. On a fait des spectacles de musique classique avec le conservatoire. Donc c'était nouveau et c'est pour ça que je suis très fier de ce qu'on a fait là-bas car il fallait faire ça à ce moment là. Il fallait déjà désenclaver le rock. Je suis un rocker et je ne sais jouer que du rock mais tu me fais écouter un opéra fantastique, je vais rester bouche bée. Je ne suis pas idiot au point de penser que les autres font de la mauvaise musique sous prétexte que je ne la connais pas. Je pense que c'est peut-être un des gros défauts de la France. C'est un pays très cloisonné culturellement. Il y a ceux qui aiment çi et ceux qui aiment ça. Et ces gens ne se rencontrent pas. Je suis désolé de dire que dans ma musique, il y a des artistes aussi extraordinaires qu'il y en a dans le jazz ou la musique classique. Jimi Hendrix est un génie, on a des chanteuses qui valent largement la Callas. Amy Winehouse est une chanteuse extraordinaire. Donc le respect que l'on doit avoir pour les autres formes de musiques et de cultures est une priorité. Je ne peux pas passer mon temps à tout écouter mais je sais ce que j'aime. En revanche, ne pas écouter les autres c'est d'abord se priver de sources d'inspiration et c'est aussi se priver de sources d'intelligence. Donc je pensais qu'on pouvait faire ça en banlieue bien que c'était le pire moment pour y aller. Tout le monde me disait "Mais qu'est-ce que tu vas faire en banlieue, ils vont te tuer". Donc, d'abord, personne m'a tué et ça a a marché sans problèmes avec des gens qui travaillaient dans cette structure et qui venaient des quartiers de Bobigny. J'ai pas fait appel à des copains. Je n'ai jamais souhaité faire venir des gens de l'extérieur. C'était les gars du service jeunesse qui sont passés au statut d'animateurs culturels et ils y sont toujours pour les trois-quarts. Je pense que c'était une façon d'appliquer mes idées, sur un petit truc certes, mais on a laissé une petite trace quand même.

Depuis 2012, fini les majors, tes disques sortent sur ton label Louise Music. Y a-t-il du coup un changement dans ta manière de travailler ?

Patrick COUTIN .  Forcément le fait d'être libre ça change beaucoup de choses. Tu ne penses plus au patron qui peut t'engueuler. C'est clair, tu fais ce que tu veux. Tu as tant de moyens, t'en à peut-être moins mais tu les mets où tu veux. Et le fait d'être libre, c'est un bonheur extraordinaire. Donc est-ce que ça a changé ma façon de travailler ? Non ! parce que je n'ai pas de façon de travailler. Moi ma façon de travailler c'est de regarder les choses et les laisser se faire. Quand je prend ma guitare je ne sais pas ce que je vais faire. Quelquefois, il y a une chanson qui sort. Parfois, elle est bien, parfois elle est nulle. Quand je rencontre un musicien, je ne sais pas ce que je vais faire. Non, je pense que ce qui a changé ma façon de travailler c'est que je suis plus adulte et, donc, je suis peut-être plus précis. Je vais plus vite, c'est clair ! Je sais comment ça se fait. Je crois profondément que la bonne façon de travailler, pour un artiste, c'est d'être libre et que c'est l'avenir dans une certaine mesure. Je crois que l'avenir, ce sont des artistes libres qui seront relayés par des grosses structures car pour vendre beaucoup, il faut que ça passe par une grosse structure d'autant qu'elles possèdent tout. Spotify, Deezer et aussi les programmations TV et radios. Mais leur intérêt c'est aussi de trouver des gens qui ont du talent et de les vendre. Donc on est dans cette espèce de monde où lorsqu'il y a un artiste qui a du talent et qui représente un potentiel financier, les grosses maisons de disques vont sauter dessus et essayer de s'en servir. Mais ça toujours été le cas. Et c'est le cas de notre monde. Je ne sais pas si c'est bien ou mal. Je ne suis pas d'accord avec tout mais c'est comme ça. Je pense que la meilleure façon, pour ces gens-là, c'est de récupérer des artistes libres et créatifs. Donc je crois que le fait de monter sa petite structure, c'est d'ailleurs en train de devenir à la mode cela dit, je crois que c'est une garantie d'honnêteté artistique
et donc pour moi, au bout du compte, une garantie de qualité artistique. C'est mon point de vue.

Parle-nous de ta participation à la tournée Stars 80 ?

Patrick COUTIN .  Après le "Canal 93" j'ai repris ma petite vie et un jour, le maire qui m'avait engagé, m'a rappelé en me disant "Ce que vous avez fait au "Canal 93", cette chose qui fait que tous les gens d'origine italienne, maghrébine, africaine se se soient mélangés au même endroit, je voudrais que vous le fassiez à l'échelle de la ville. Donc je vais créer une direction de l'événementiel et je souhaiterais que vous me conceviez des événements qui fassent que l'on ait toute la ville au même endroit et au même moment". Je me dis "C'est compliqué ça mais c'est quand même intéressant". Je lui répond "Mais moi je ne veux pas travailler comme ça toute l'année!" et il me dit "Ne vous inquiétez pas, vous faites comme vous voulez. Vous créez un événement, quand vous avez fini vous partez et vous revenez !". Donc on y va et au bout du compte, je luis dit d'accord. Et il se trouve que ce monsieur décède 2 mois plus tard. On avait alors lancé une sorte de Bobigny-plage qui devait, pendant tout l'été, animer la ville. Donc, on a commencé le 5 juillet et on a fini le 20 août. Il y avait de tout. Des spectacles, des restaurants dans le parc. On s'est mis à faire ça avec des gens de la ville en changeant plein d'habitudes de travail, avec des gars qui n'acceptaient pas de changer leurs horaires de travail mais qui, subitement, étaient d'accord pour les modifier parce que ça les amusaient. Et j'organise ça avec la nouvelle maire, Madame Catherine PEYGE pendant 1 an. Arrivent les élections où elle est réélue et me dit "Je voudrais que vous soyez directeur général adjoint". Et là c'est autre chose. C'est presque le monde de la fonction publique. Mais quand même, c'était tellement passionnant ce que j'étais en train de faire, d'autant que j'avais les moyens de le faire, donc je continue. Arrivent les élections d'après et la maire se fait virer. Moi, j'étais devenu un peu le symbole de cette municipalité, communiste il faut quand même le dire. J'étais artiste, tout le monde me connaissait, tout le monde savait que j'avais fait des albums et en plus je ne suis pas du genre à me cacher. Et Donc je suis le premier mec que la nouvelle municipalité vire. C'est à dire qu'ils ont été élus et j'ai reçu le message "On ne veut plus le voir et s'il met les pieds dans cette ville, on lui casse les jambes". Voilà, clair et net ! Donc j'ai encaissé. C'était pas très drôle De toutes façons, je n'avais plus de travail et j'ai arrêté ce truc là. J'avais passé 5 ans en dehors du monde de la musique et ça avait changé. On était passé à l'époque numérique. J'avais quitté ce monde 5 ans plus tôt au moment où c'était l'époque du piratage, donc ça partait dans tous les sens. Les maisons de disques faisaient faillite, vendaient leur catalogue. J'avais passé 5 ans à faire quelque chose entre le culturel et le social et je me retrouve à faire de la musique, bien que je n'avais pas arrêté de jouer, j'étais toujours en train de composer des chansons. Tous les matins je me levais à 5h et j'y allais. Mais lorsque je me suis dit "Tiens, je vais peut-être faire un disque, subitement tu réalises que c'est plus du tout le même monde. Il n'y a plus de maisons de disques. Et là on m'a appelé pour me dire "Il y a un spectacle qui s'appelle "Star 80", est-ce que tu veux y participer ?". J'ai donc regardé ce spectacle qui était fait sur bandes play-back, c'est à dire que les artistes chantaient sur des bandes. Moi, je ne sais pas faire ça et j'ai dis non, ça ne m'intéresse pas. Puis, un jour, un mec qui s'appelle Jean-Pierre Morgand, chanteur du groupe "Les Avions", et qui est un pote, un type que j'adore, un chanteur courageux et qui va au casse-pipe, m'appelle et me dit "Ecoutes, le patron de la "Star 80" Claude Cyndecki me parle souvent de toi". Je lui dit "Mais moi je ne veux pas faire ça et je lui ai déjà dit non car il n'y a pas de musiciens". Il insiste et me dit "Tu devrais quand même le rencontrer ". Je me dis " bon, Jean-Pierre est un ami, je vais lui faire plaisir". Et j'accepte de rencontrer Claude Cyndecki. Donc j'y vais d'autant que je n'avais rien à faire. Et je rencontre ce monsieur que je trouve très cool et qui me dit "Vous savez, moi dans mon spectacle, je veux avoir toutes les années 80 et vous, vous êtes le rock, donc j'aimerais bien avoir le rock !". Je lui répond "Mais moi je ne peux pas chanter sur bandes". Et là il me dit "Mais peut-être qu'on va avoir des vrais musiciens. Est-ce que ça vous intéresserait ?". Je me dis qu'avant qu'il mette des musiciens, je suis tranquille et lui dit "On en reparlera". Et en même temps, comme j'avais été viré comme un malpropre, cela faisait déjà 6 mois, je commençais à avoir de vrais problèmes financiers car la ville qui m'avait viré ne voulait pas m'indemniser. Je rentrais dans un procès avec eux, ce qui coûte cher. J'avais besoin d'argent pour tout dire et je cherchais un boulot. Il fallait que je travaille car j'avais quand même mes enfants. Ma dernière fille avait 10 ans et il fallait que je la nourrisse. Et 15 jours après, Claude Cyndecki me rappelle et me dit "C'est bon, on part avec des musiciens, rendez-vous dans 15 jours !". C'était à Amiens. Je me dis "Mon pauvre ami, dans quoi t'es rentré !". 15 jours plus tard, je prend ma voiture et je vais à Amiens. Une fois arrivé je ne sors même pas mes valises. Je laisse tout à l'intérieur de la voiture et je vais directement à ma chambre d'hôtel. Ça faisait marrer tout le monde. Et je me rend aux répétitions. Ça été très rapide. Juste une journée. Mais bon, dans les années 80, il y avait quand même de bonnes chansons. Il faut quand même le dire. C'est pas ma musique, c'est pas tout à fait mon monde. Il y avait toutefois une ou deux personnes que je connaissais. Par exemple Julie car elle avait travaillé avec Vincent-Marie Bouvot qui est un ami. D'autres que j'avais croisés car dans les années 80 on faisait les mêmes émissions de télé. Et puis j'étais libre. J'étais celui qui avait le droit de chanter sans playback. Je faisais "J'aime regarder les filles" et je devais faire un autre titre. On m'avait demandé de choisir. J'avais décidé de faire un morceau de Bashung. Au début c'était "Vertige de l'amour". Après c'est devenu "Osez Joséphine". Et puis j'avais demandé une somme d'argent assez importante et on me l'a donnée. Donc ça m'a sauvé la vie. J'avais 60 ans et pas beaucoup de travail qui se proposait à moi. Et donc, j'y ai passé 3 ans. J'ai fait beaucoup de concerts. J'ai dû en faire plus d'une centaine. Peut-être même entre 100 et 200. Alors, il y avait aussi ce coté qui était que, dans mon monde à moi, on avait jamais fait de Zénith ou d'endroits de ce genre. C'est la première fois que je me trimballait sur des scènes avec des sons et des lumières de cette importance. Bien que tout ceci ai beaucoup changé depuis les années 80. Donc la première année c'est plutôt intéressant. La 2e année, tu commences à en avoir un peu marre d'entendre les mêmes chansons tous les soirs. Tu entends le même répertoire à chaque concert et forcément ce ne sont que des trucs que tu connait. Mais c'est ton job! En même temps, ça me laissait du temps, à la maison, pour travailler. J'ai donc pu concevoir le triptyque "Coutin Paradise" et avoir le temps de travailler tranquillement. Ça donne beaucoup de moyens car j'étais bien payé. Et quand j'ai décidé d'arrêter, la Covid est arrivée et ça s'est arrêté. J'en avais marre mais sans cracher sur le truc. En Amérique, ça poserait pas de questions ce genre de truc. C'est une revue avec les tubes des années 80 et 90. Ce sont des grandes chansons. Elles sont plutôt bien faites. Après, j'ai des amis rock'n'roll qui me disaient "Mais ça, c'est pas rock'n'roll !". Pourtant ce sont des années qui ont existé. On est pas obligé de tout balayer en permanence. Donc je suis bien content car, dans une certaine mesure, ça m'a appris des choses. Notamment à travailler de façon moderne sur des scènes qui sont immenses avec des gens qui sont, comme dans toute société humaine. Sur les 25 artistes il y avait 10 mecs supers, 10 mecs ou 10 filles dont tu sais pas trop, 5 ou 6 que tu n'aimaient pas. Mais c'est pas grave. C'était bonjour, bonsoir et tu n'étais pas obligé de t'asseoir à côté d'elles dans le bus car c'était beaucoup de kilomètres parcourus. Tu faisais la France entière dans tous les sens. Voilà, je pense que c'était quelque chose qui m'a rendu service et qui m'a ouvert des horizons sur le fond. C'était marrant d'ailleurs car tu avais souvent des couples et on imagine le public comme des gens qui ont maintenant 70 ans. C'est pas vrai. Tu as autant de gamins de 16 ans, de filles comme j'ai pu en rencontrer qui étaient en Fac de droit ou de lettres et qui venaient parfois avec leurs parents ou leurs grands-parents. Parce que c'est transgénérationnel. Donc c'est vachement bien tout ça. Il faut être un peu buté pour démolir ça. Après on peut ne pas aimer ce genre de musique mais ça, c'est un autre problème. J'ai plein d'amis rockers qui sont venus et qui m'ont dit "C'est un sacré spectacle !". J'ai une cousine qui a 25 ans et qui est professeur de philo. Elle a 25 ans. Et bien ça reste, pour elle, le plus beau spectacle de sa vie alors qu'elle n'écoute que du rap et de la techno. Donc ce n'était pas une escroquerie. Il y avait vraiment des moyens qui étaient mis en jeu et le public s'amusait comme des fous. Et ce qui était marrant dans le public c'est que tu avais souvent la femme qui aimait Cookie Dingler et le mec qui aimait Coutin. Pour moi, c'était une revue qui parlait d'une période qui avait beaucoup d'importance pour les gens car les années 80 c'était le début d'une certaine liberté en France, le début des radios FM, le monde de la nuit qui était très ouvert à cette époque. Tout le monde allait un peu dans les clubs pour danser. Ça n'a pas été la meilleure époque de ma vie en tant qu'artiste car c'est là où j'ai eu des problèmes et où je me suis retrouvé au tribunal mais c'était une époque qui était marrante à vivre. On s'est beaucoup amusés et on a fait les cons. Si j'avais fait 3 ou 4 chansons dont 2 nouvelles ça m'aurait convenu mais c'était pas possible. C'était pas fait pour ça. Ce qui me manque, c'est le public fantastique qui ne venait que pour le plaisir. C'était vraiment un moment de convivialité à 5000. C'est pas souvent.

Le tryptique "Coutin Paradise" est un projet à la fois musical et graphique : comment est née cette idée, avais-tu prévu cette association son / image quand tu as fait ces 3 albums ?

Patrick COUTIN Non! Au début j'étais en train de faire un album de rock et puis finalement, après mes deux jours passés à Amiens je me dis est-ce que je reste ou pas...car j'aimais bien l'encadrement. Moi, je deviens très vite copain avec les techniciens. C'est mon monde à moi. Plus que celui des artistes pour être honnête. C'est pas que je n'aime pas les artistes mais c'est que je me sens plus proche du mec qui s'occupe de ma guitare. Je trouve que les mecs sont bien. Ils me ressemblent. Et je me dis que j'ai, là, un bout de ma famille. Pour moi c'est important. Et donc mon album de rock avec mon groupe, car j'avais déjà un groupe avec lequel on faisait quelques concerts, c'était compliqué. La France n'est pas si rock que ça, il faut quand même le dire. Il y a des fans de rock en France mais comme on est 60 millions d'habitants, c'est pas comme si tu étais américain. Si j'étais en Amérique, je ferais 50 concerts par an. En France quand j'en fais 20, c'est un miracle. Et en même temps, j'écoutais toute cette musique qui est très diverse parce que la musique française, et c'est pas péjoratif, c'est de la variété. Pourquoi? Parce qu'on a des influences italiennes, slaves, anglaises... et je me dis, tiens je vais essayer de m'amuser à refaire un disque comme dans les années 80, c'est à dire avec des synthés et des boîtes à rythmes. Parce que dans les années 80 on a beaucoup travaillé avec ça. Donc, j'ai commencé à bosser là-dessus. Moi, j'ai un studio, littéralement, chez moi. J'ai 40 guitares et une station ProTool. Donc je me suis lancé la-dedans et j'ai commencé à composer. Et au bout d'un moment mon album en anglais est revenu et j'ai commencé à chanter en anglais. Donc je me retrouvais avec des chansons un peu technoisante pour parler de chansons faites avec des machines et des chansons un peu folk/rock chantées en anglais. Je me suis dit "Faire cet album, ça va être bizarre". Et au même moment, où je me suis dit "Qu'est-ce que je vais faire ?", j'ai décidé d'en faire deux finalement. Et là, décès de Johnny Hallyday. Johnny que, pour être honnête, je n'écoutais plus depuis 30 ans même si je le connaissais. Tu réfléchis à ça parce que c'est quand même un choc pour la France. Et un jour, je m'amuse à chanter cette chanson qui s'appelle "La musique que j'aime" parce que c'est ma musique, c'est du blues juste pour voir comment il chantait. Car quand tu entends un mec chanter, tu ne sais pas comment il chante en fait. Tu l'aimes ou tu l'aimes pas. Mais tu t'aperçois quand même que Johnny c'était un chanteur qui avait une capacité à passer du grave à l'aigu avec une tessiture assez remarquable. Donc je me prend au jeu et je fais ça. Un jour j’entends Bijou qui chante "La fille du Père Noël". Je me dis "Je connais ça, c'est cool". Et donc, au bout d'un moment, j'avais du temps de libre, je me réveillais à 5h du matin, je travaillais jusqu'à midi. Je faisais ce que je voulais et un jour je me suis retrouvé avec 50 chansons qui étaient presque enregistrées, pas toutes finies mais quand même bien réalisées car je travaille bien. Je pouvais enregistrer une idée sur mon téléphone mais je travaillais sur un ProTool comme un vrai pro. Et en parlant un jour avec un ami, il me dit "De toutes façons, aujourd'hui, ça coûte rien. T'es pas obligé de faire des disques, tu les mets sur internet, ça suffit. Donc termines ton album. Fais-en un, deux ou trois". Donc je me suis mis à compresser mon truc pour faire trois albums. Un album en français, un album en anglais et un album de reprises en anglais et en français. Et à cette époque, je suis assez copain avec des gens à Sète et je suis ami avec un artiste qui s'appelle Hervé Di Rosa. Et Hervé Di Rosa me dit un jour "Alors, quand est-ce que je fais une pochette d'album pour toi ?". Car juste avant j'avais fait un album dont la pochette était signée Tanino Liberatore. Et il rajoute "Quand tu fais un album, tu demandes à un autre de faire la pochette. Et moi je suis un chien !?". On se connaît bien pourtant depuis presque 20 ans et là je reconnais "Il a raison". En même temps ça reste dans ma tête. Et là en regardant mes 3 albums, je m'aperçois que ça part des années 70 même 60, que ça traverse un peu les années 80 avec cette façon de composer en français où il y avait encore des synthés même si finalement il y a beaucoup de guitares mais avec quand même ces bases rythmiques très carrées, très simples et ça finit dans les années 2020. Et en parlant avec le manager de Hervé Di Rosa je lui dit "Je vais sortir 3 albums. Ce serait bien que Di Rosa me réalise une pochette puisqu'il le souhaitait. Il me répond "Mais c'est quoi ton problème ?". Je lui explique et il me dit "On va pas faire ça, on va faire 3 vinyles dans une boîte et on va faire appel à trois peintres qui vont créer des œuvres originales". Et quand on est parti là dedans, je suis revenu vers  Tanino Liberatore parce que c'est un ami et un artiste que j'adore. Hervé Di Rosa a fait le sien. Et en discutant, on s'est rendu compte que cette influence San Francisco/américaine

C'était un artiste qui vivait en France, qui s'appelle Gilbert Shelton et qui était un immense dessinateur de bandes dessinées dans les années 70 à San Francisco avec les freaks brothers. On l'a contacté et il était d'accord. Et donc, on est arrivé à cet espèce d'objet bizarre, cette boite à Pizza. Et là-dessus on m'a dit "C'est bien mais il faudrait faire une bio". Quelqu'un m'a suggéré un journaliste qui s'appelle Stan Cuesta. On l'a appelé, il est venu, m'a fait une interview et nous a renvoyé un texte de 40 pages. C'est pas une bio, un texte de 40 pages ! Donc il a fallu refaire un livret. On avait un copain qui nous a fait de très belles photos, on a repris le texte, on a trouvé une autre personne qui l'a remis en pages et c'est devenu ça. Moi, d'un autre coté, je travaillais sur la "Star 80". En plus j'avais du temps libre et je n'étais pas pressé. Ça aurait pu sortir deux ans plus tard mais le malheur de ce coffret c'est qu'il est sorti au début de la Covid comme le bouquin sur Jim Morisson. Ça, malheureusement, ça été la double peine. Mais ça été un plaisir d'autant que dans le coffret j'ai pu prendre une petite revanche car en 1980 j'avais écrit une chanson qui s'appelait "Maryline est folle" que la maison de disques ne voulait pas et que j'ai pu enfin enregistrer. J'ai retrouvé ma vieille bande, ma vieille démo. J'ai recopié pile pour faire exactement les mêmes guitares, les mêmes passages accords qui étaient bizarres, d'ailleurs, à l'époque et j'ai pu enfin finir cette chanson. Donc ça été un peu une période où tu fais le bilan sur ta vie, d'où tu viens, ce que tu as fait et qu'est-ce que tu pourrais faire. Et cet album, ce triptyque, le voilà.

  

En 2020 sort "Obsolètes paradise", comment s'est passé le choix de ces reprises ?

Patrick COUTIN.  D'abord il faut savoir qu'avant de chanter "Osez Joséphine" dans la "Star 80", je n'avais jamais fait de reprises. Je suis le typique auteur-compositeur. Je ne sais jouer de la guitare que sur mes morceaux. J'ai toujours fais que mes compositions, je les chantent et je joue de la guitare en même temps jusqu'au moment où ça ressemble à ça. Ceci dit, j'avais vaguement appris "Knockin' on Heaven's Door" de Dylan. Je ne sais plus vraiment à quelle occasion. Je crois que c'était pour un copain qui tournait un film. Mais c'était facile. C'était juste 3 accords, certainement la chanson la plus facile du monde à apprendre. Mais à chaque fois que j'essayais d'apprendre une chanson, je me disais "C'est compliqué" car ça ne sort pas de toi. Il faut apprendre les accords et la mélodie. Et la mélodie, surtout en français, il y a rien de plus personnel. Par exemple, la façon dont chante Bashung, personne ne peut le faire comme lui. Quand tu écris des mélodies pour des chanteurs, lorsqu'ils te chantent la chanson que tu as écris pour eux, ce n'est jamais la mélodie créée au départ. Elle ressemble mais ils y mettent leur truc. Et moi, je suis comme les autres. Quand on me donne une chanson, j'ai l'impression de chanter la chanson qu'a écrit untel mais en fait elle est transformée. Et donc je n'ai jamais réussi à le faire. Un jour, j'ai essayé avec "La musique que j'aime" de Johnny. C'était difficile à faire. Bien que j'aime me lancer dans des challenges. Ça te donne du travail. Et en même temps on avait commencé, longtemps avant, une reprise des Doors "Light my Fire" que je voulais faire en techno et pour laquelle on avait failli obtenir la participation de Gainsbourg. On voulait mettre 2 ou 3 autres chansons, et comme Gainsbourg avait ce côté un peu pop, on avait repris ce "Light my Fire" avec une rythmique très techno. Et donc, j'avais d'un côté mon envie de reprendre "La musique que j'aime", en même temps, je ne faisais pas le malin car c'est pas facile de reprendre du Johnny, et cet autre titre. Je suis parti dans l'idée de me dire "Quelles sont, finalement, les chansons qui m'ont marqué sans que je le saches ou pas ?". Car si j'ai repris du Johnny c'est parce que, même si je ne suis plus fan à mon âge, je l'avais été quand j'étais gamin. Et il y a des choses qui se sont imposées. Par exemple "Like a Rolling Stone" de Dylan, "La fille du Père-Noël" de Dutronc, reprise par Bijou qui était un groupe français que j'ai vraiment beaucoup aimé. Puis d'autres comme ça. Et un jour ma fille me dit "Papa, il faut que je chante "Summertime" à l'école. Est-ce que tu pourrais me l'apprendre ?". Je lui ai répondu "Mais je ne sais pas comment on fait "Summertime !". Donc, j'ai regardé et j'ai fait une version pour ma fille. Je lui ai dit "Tiens, j'en ai une !". Et en fait, c'est arrivé comme ça. Alors j'en ai fait plusieurs, peut-être une quinzaine. Certaines n'étaient vraiment pas bien, d'autres qui, pour moi, étaient acceptables. Un peu comme un mec qui prend sa guitare et qui les chantent à ses amis. Il n'y a pas beaucoup d'ambition là-dedans, surtout pas l'ambition d'être meilleur que les originaux. Mais finalement il y a "Osez Joséphine" qui est arrivé puisque je la connaissais. C'est d'ailleurs un truc de fumiste tout ça. C'est à dire que ce ne sont pas des chansons trop compliquées. Pour la plupart, j'en connaissais les paroles Parce que je les avais beaucoup entendues et ça s'est fabriqué un peu comme ça. Comme un puzzle où tu es là sur la table en te disant, ça pourrait rentrer là. C'était ma façon de dire aux gens, voilà ce que j'aime aussi. De dire aux gens que dans la musique, pour moi, ça part des Doors et de mon enfance avec Johnny, ça traverse Dutronc, Bashung mais ça passe aussi par Dylan, Gershwin, et le blues. C'était une façon de dire, voilà où sont mes influences. Toutes n'y sont pas mais beaucoup y figurent. Et principalement des chansons qui m'ont marqué. En tout cas des chansons dont je me souvenais. Il y en a d'autres qui m'ont marqué. Quand on voit passer "La fille du Père-Noël", on est à la période de Noël, tu te dis "Ah, c'est bien joué !". Et dans la version de Bijou, il y a beaucoup d'humour et ça te donne envie de la jouer. J'ai essayer de voir si je pouvais la jouer. J'ai réussi et je l'ai prise. Il y en a d'autres que j'ai tenté. Je n'y suis pas parvenu, je les ai pas prises. Car il y a des trucs qui sont très compliqués à faire. Il y a des chansons dont on ne se rend pas compte, qui sont tellement personnelles. Par exemple tu ne reprends pas du Brel ou du Brassens comme ça. Et pourtant ça fait partie de ma culture. Mais tu ne reprends pas "Ces gens-là" à la guitare acoustique, bien qu'il y en a qui le font. Tu ne reprends pas "C'est extra" de Léo Ferré si facilement, pourtant reprise par un grand groupe qui s'appelait Zoo, qui est un chanteur à la personnalité débordante alors que moi, je suis un mec plutôt timide. Non, tu ne peux pas tout faire. C'est pas parce que tu chantes que tu peux tout faire. 

 
Et tu sors "Fuck the Covid Blues" comment as tu vécu cette période ?

Patrick COUTIN . J'ai pas bien vécu la Covid. Au début, ça allait à peu près parce que je suis parti dans les Deux-Sèvres. J'étais isolé. Ma fille était avec moi car on ne savait pas ce qu'il allait se passer. On est partis pour 15 jours et ça a duré 4 mois. On est passé de l'hiver au printemps. Et quand tu vois apparaître les petites fleurs dans le jardin, ça va un peu mieux. Mais quand même j'ai trouvé ça dur. Tu allais faire tes courses et subitement il était 18h45 et il fallait rentrer comme un fou. Et puis il y a des gens qui mourraient, on a tendance à l'oublier. J'ai plein d'amis qui sont tombés malades, certains gravement, et qui le sont toujours. Des gens qui perdaient leurs parents. C'était une période très difficile et il faut se souvenir combien ce fût une horreur. En plus c'était une période que tu n'arrivais pas à palper. C'est pas comme si on t'avais dit, qu'il y avait un nuage radio actif au dessus de Paris, que tu devais descendre dans ta cave, mettre une casquette en plomb et que trois mois après que le nuage soit passé, tu pouvais sortir. Là on ne savait pas comment ça allait tourner. Ça pouvait s'amplifier et tuer tout le monde, ça pouvait s'attaquer aux enfants. Donc je n'ai pas aimé ça. Je n'ai pas aimé le fait d'être enfermé. Et puis cette espèce de folie de communication où tout le monde disait n'importe quoi. Sur une chaîne, tu avais un médecin qui te disait que ce n'était rien, sur une autre tu avais un médecin qui te disait qu'on allait tous mourir. Après tu as tous ceux qui te disaient d'aller se faire vacciner et ceux qui te disaient le contraire, d'autres dans 15 jours on est libres, et puis non dans 15 jours on est pas libres. Les bars vont rester fermés. Bref, tu ne savais plus. Donc pour moi, c'était de pire en pire. Il était temps que ça finisse car je ne sais pas si j'aurais survécu. Je n'en pouvais plus. "Fuck the Covid Blues" c'est une chanson que j'ai écrit quand j'étais à la campagne. Ça m'est sorti comme ça car j'ai vu une jeune femme qui travaillait dans un supermarché. Plus personne ne travaillait à l'époque sauf cette jeune femme qui assurait la survie de tout le monde. Elle devait avoir 25 ans et elle avait un bracelet avec, visiblement, le nom de son mec. Un bracelet comme le mien. C'est pour ça que je l'avais regardé et j'avais vu qu'il y avait un nom d'homme dessus. Je me suis dit que si cette femme ne rentrait pas chez elle, elle ne verrait pas son mec avant un bon bout de temps. Donc, en fait, ça raconte ça. J'ai inversé le propos puisque je suis un homme. J'ai raconté l'histoire d'un homme qui dit "ben moi, comme je vais me battre contre la Covid, soit parce que je suis infirmier soit parce que je travaille dans un organisme de première nécessité, je ne vais pas pouvoir prendre ma voiture et venir te voir ce soir". C'est ça que je trouvais horrible. De priver des jeunes gens de la vie car ça leur a ôté deux ans de vie. Ma fille ne voyait plus ses copains puisqu'elle était enfermée avec moi et donc j'ai mal vécu ça. "Fuck the Covid Blues " est arrivé comme une évidence. Ça été fait à la campagne avec mon téléphone. Il fallait bien faire quelque chose. Mais c'est aussi à la fin de la Covid que j'ai créé le nouvel album entre septembre et novembre 2021 que je n'ai pas réussi, d'abord, à enregistrer à Paris parce que ça ne marchait pas et que je n'arrivais pas à trouver les musiciens pour le jouer. Ceci dit, il y a eu quand même des cotés positifs. Mais je trouve que c'était une expérience collective très dure. Et franchement, on a tendance à oublier tous ce gens qui sont morts parce qu'ils avaient respiré l'air qui n'était pas le bon.

Donc tu as créé ton nouvel album à la fin du COVID ?

Patrick COUTIN . Oui et on commençait à se dire qu'on allait peut-être s'en sortir. J'avais quand même fini d'écrire le livre sur Jim Morrisson qui venait de sortir mais sur lequel, malheureusement, on a pas fait suffisamment de promo puisque l'on ne pouvait pas se déplacer. Lorsqu'il est sorti j'étais enfermé à la campagne. C'était moins pire que d'être enfermé à Paris. Donc, on a fait quelques présentations. Tu ne pouvais plus faire de radios l'après-midi bien que c'était possible mais il fallait partir, il fallait prendre le train, il fallait prendre deux places séparées. Au début on avait pas de masques ni rien du tout. Donc on ne pouvait pas sortir de chez soi sans prendre de risques et, en même temps, on ne jouait plus. En 2 ans, on a annulé 30 concerts. Je me disais que dans ce monde il y avait un côté foutaise dans ce que l'on faisait. Un côté artificiel. Et dans la musique telle qu'on la fait aujourd'hui, elle manque de spontanéité, elle est de plus en plus fabriquée. C'est bientôt la machine qui va faire la chanson à ta place. Et j'avais vraiment envie de revenir en studio. Tu prends ta guitare, t'as un micro, tu chantes, un batteur, un bassiste. Si c'est bien tu le gardes, si c'est pas bien t'effaces et tu recommences. Donc, j'étais comme ça. Mais en France on ne produit plus comme ça. C'est fini ! Les jeunes groupes de rock, peut-être mais tout le monde te dit "Envoie moi le truc, je vais une basse dessus et puis après je vais l'envoyer au batteur qui va me faire une batterie puis tu reviens et tu sens bien que ça n'a pas été fait ensemble. Je dis pas que c'est mauvais mais c'est pas ce que je voulais faire. Tu ne chantes pas de la même façon quand tu as basse/batterie et quand tu chantes tout seul devant un micro et que tu entends basse/batterie. Donc, j'en étais là. J'avais écrit une quinzaine de chansons que je voulais enregistrer simplement et je n'y arrivais pas. On a fait des essais mais je ne trouvais ça pas bien. Et, une nuit d'insomnie, car Dieu sait si les nuits étaient longues. Les jours étaient longs mais les nuits aussi, Je me suis mis à traîner sur internet et j'ai pensé "Mais qu'est-ce qu'ils deviennent à Austin ?". Ça faisait 15 ans que je n'avais pas été là-bas. Et j'ai retrouvé des gens. Certains n'étaient plus de ce monde, d'autres avaient quitté Austin et j'ai retrouvé David Grissom qui était un guitariste fantastique avec lequel j'adorais travailler quand j'étais à Austin j'avais une espèce d'osmose avec lui. Ce mec jouait ce que j'avais envie d'entendre. Tu peux pas trouver mieux. Un musicien qui joue exactement comme tu aimerais jouer toi-même. J'avais perdu les numéros de téléphone mais je trouve son Facebook et je fais "Bonjour David, c'est Patrick Coutin ! Je vois que tu es toujours à Austin, comment ça va !?". Et il me répond "Hey Patrick, je suis content d'avoir de tes nouvelles, tu avais disparu, on te voyait plus qu'est-ce que tu deviens !?". Je lui dit "Voilà, je suis comme toi, je suis enfermé à Paris". Je me souviens on était le 24 mars. Il me demande ce que je fais et je lui répond que je continue comme avant et il me dit "Tu devrais venir faire un album à Austin". Et là je me dis "Ah oui c'est une bonne idée". Puis je réfléchis et le lendemain je me fais cette réflexion "Mais il a raison, cette musique que j'ai écrit elle est faite pour être jouée à Austin !". Donc je lui renvoie un message en lui disant "Oui, c'est pas une mauvaise idée de faire un album là-bas. Tu sais quand est-ce que je peux trouver 15 jours de studio et où ?". Moi, j'avais envie de repartir chez Willie Nelson mais, apparemment, il n'accepte plus personne dans son studio c'est devenu un vieux monsieur qui doit avoir 85 ans et il vit littéralement dans son studio. Et David me dit "Chez Willie ça va être compliqué. Plus personne n'y va. Il a une santé fragile. Mais je vais trouver un studio. Est-ce que tu pourrais me montrer ce que tu veux enregistrer ?". Et comme je voulais enregistrer simple, j'avais fait des démos. Un clic, ma guitare et ma voix. Je les avais enregistrées jusqu'au moment où j'avais la bonne version. Réalisées sur mon téléphone pour une moitié, l'autre sur mon ProTool mais jouées de la même façon. Donc je lui envoie mes quinze chansons et il me dit "Ah, il y a des trucs sympas". Et il rajoute "J'ai 15 jours de studio en décembre" on était le 22 mars. Je lui dit "Non David !". Moi, je pense "En décembre on sera tous morts !". Je ne me voyais pas tenir jusqu'à décembre. Je me sentais mal, je marchais plus, je ne faisais plus rien et là il me dit "Ça va être compliqué parce qu'à Austin beaucoup de gens travaillent, c'est vraiment devenu la ville de la musique aux USA. Et, deux jours plus tard, il me rappelle et me dit "Je pense que ça ne va pas te convenir mais je te le dis quand même. J'ai 2-3 jours dans un studio qui est génial, qui est tenu par l'ancien manager des Rolling Stones et j'ai le meilleur batteur et le meilleur bassiste d'Austin avec moi si tu veux". 

Je lui dis "3 jours, on va pas y arriver, c'est trop court". Il me répond "Mais non, tes chansons on peut les jouer en 3 jours et je crois qu'il faut produire ça simplement. Après tu pourras mettre, en France, des claviers, des chœurs et des choses comme ça. Mais pour faire basse/batterie/ guitare, puisque c'est ce que tu veux, ça on peut faire". Je me dis qu'il a raison. Je regarde et je trouve un aller/retour. Je me dis que je vais quand même prendre deux semaines parce qu'en 3 jours on va rien faire. Le 7 mars, je suis arrivé à Austin, le 9 on est entré en studio et on a fait que 10 titres sur les quinze prévus. De toutes façons il y avait pas besoin de les faire tous. En deux jours on les avait enregistrés basse/batterie et les deux guitares, celle de David Grissom et la mienne. Le 3e jour j'ai tout chanté deux fois. À trois heures de l'après-midi on a fait les mises à plat. J'ai pris mon téléphone dans lequel je les avais enregistrées et je suis allé me promener pendant 10 jours en Amérique en choisissant entre les versions car parfois il y en avait deux de chaque titre. Donc j'ai fait ça pendant une dizaine de jours. Je suis rentré en France et on a mixé. Puis la question s'est posée. "Est-ce qu'on rajoute des claviers, des chœurs ?". Je voulais également mettre de l'harmonica et au final je me suis dit "Non, finalement, on rajoute rien. On fait comme si ça sortait du studio". Comme j'avais deux voix sur chaque titre, j'ai simplement choisi la meilleure. On a gardé le son le plus brut possible. Parfois même, lorsque je réécoute les démos je ne fais pas la différence avec les versions définitives. Voilà comment on a fait cet album.

 
Parle nous du livre sur les Doors ?

Patrick COUTIN .  Un jour Stan Cuesta m'appelle et me dit "Est-ce que je pourrais déjeuner avec toi ?". Je lui répond "Bien sûr, avec grand plaisir !". Et il me dit "Voilà, je suis directeur d'une collection chez Gallimard et on sort deux livres par an. J'ai deux projets, l'un sur Janis Joplin et l'autre sur Jim Morrison et je voudrais que tu en écrives un". Je me dis, il va me demander d'écrire sur Janis Joplin, le mec qui aime les filles va écrire sur Elle. Je lui dit "Tu sais je n'ai pas écrit depuis longtemps". Car écrire une chanson c'est une chose, écrire un livre c'est autre chose. et je rajoute "Et puis tu sais, Janis Joplin c'est compliqué. C'est une fille qui a une vie controversée. Il me répond "Mais je ne veux pas que tu écrives sur Janis, je veux que tu écrives sur Jim Morrison". "Ah, bon mais pourquoi sur Jim Morrison ?" lui dis-je. Et il me répond "Parce qu'il y a chez toi des choses qui me font penser à lui, pas en temps que personnage mais dans la musique". C'est vrai que c'est un groupe que j'ai écouté comme j'écoutais Led Zeppelin, Jethro Tull ou les Stones. Et je lui dit "Je vais réfléchir". Et ça a pris du temps, la réflexion, presque 6 mois. Il m'envoie des bouquins, les poésies de Jim que je connaissais un peu mais dont je ne possédait pas les recueils et il m'explique comment doit être fait le livre, c'est à dire qu'il doit comporter 7 chapitres. 7 jours qui ont compté dans la vie d'un artiste. Je recommence à m'intéresser à Jim Morrison et je m'aperçois qu'en fait, bien que c'était une star et que c'était un des plus grands artistes de rock'n'roll, il a une mauvaise réputation. Comme si c'était un bellâtre qui n'avait fait que des chansons de cul quelque part. Et je commence à penser que c'est injuste la façon dont on traite ce mec qui, probablement, reste le groupe qui vend encore le plus d'albums 40 ans après. Ça reste un groupe mondialement connu pour des gens qui n'en font plus. Les groupes de l'époque, en dehors des Beatles, ont tous disparu. Et donc, au bout d'un moment je me suis pris d'affection pour ce projet sur Jim Morrison et je me suis dit "J'essaie". J'ai rappelé Stan et je lui ai dit "Ecoutes, on essaie d'écrire un chapitre. Tu me dis par lequel tu veux commencer et on verra si ça a de l'intérêt. Et tu le proposes à ta maison d'éditions. Il me dit "Tu vas commencer par écrire le chapitre où je veux, comme pour tous les livres, qu'il commence par celui où l'auteur parle de lui-même. Un chapitre de toi et des Doors. Le premier en fait, l'intro". Donc, j'écris une histoire des Doors, vraie d'ailleurs, qui s'était passé à Palma de Majorque. Il revient et me dit "Ah les gens aiment bien donc il faut y aller ". Et j'y vais. J'avais beaucoup de mal pour l'écrire. Pour tout dire, c'est compliqué l'écriture et le début de la Covid m'a bien aidé car j'ai fini ce livre. La période la pire c'est quand tu relis. Chez Gallimard, ce sont des fous furieux. Tu relis 20 fois ton truc. Chaque fois que tu as relu, la fille te dit "Bon maintenant j'ai fini. Vous avez relu 5 fois avec moi, maintenant vous allez relire avec le correcteur. "Et nous qu'est-ce qu'on fait depuis une semaine !?". Moi, je vérifiais les dates mais lui, c'est un correcteur genre journal officiel. Chez Gallimard, il y a zéro faute dans un livre. Il relit deux fois et tu recommences. Et il te dit, ça c'est pas français. Votre phrase monsieur, c'est pas possible. Il faut écrire comme ça. Alors tu ne peux pas dire non car c'est comme ça. Donc çà été fini vers le mois de mai. Ça m'a bien occupé. D'ailleurs c'est une période créative car j'ai fait "Fuck the Covid Blues" et c'est sorti en octobre, donc durant le 2e Covid. C'est là que ça été une catastrophe car on avait plein de radios, de TV et tout a été annulé. C'est un livre que j'ai finalement écris. Je dirais pour essayer de remettre l'artiste en avant. Pour dire, vous ne vous rendez pas compte, c'est un grand écrivain, déjà, un grand poète. Probablement l'un des grands poètes américains du siècle et c'est aussi un chanteur faramineux. Quand tu sais qu'à l'époque, dans les concerts, rien n'était corrigé. Il était bourré, drogué, il tenait à peine debout, il chantait encore juste cet enfoiré. Et parmi les plaisirs que j'ai eu à la suite de ce livre c'est que, alors que je ne savais pas que c'était le 50e anniversaire de sa mort, beaucoup de gens ont commencé à reparler de Jim Morrison comme un grand artiste et je suis content d'avoir participé à ça. Je trouve que si j'ai fait quelque chose de bien dans ma vie c'est de dire aux gens, ne le prenez pas pour un sex-symbol qui est mort drogué et probablement malade. Mais avant toute chose pour un grand artiste. Et on a des choses à apprendre encore de lui car c'était un des premiers à parler d'écologie. Le premier, alors que son père était amiral dans l'armée américaine, à s'engager violemment en chansons contre la guerre au Vietnam. C'était aussi quelqu'un qui avait participé à l'explosion de la liberté sexuelle des années 70

Qui, pour moi, restera quelque chose d'important. C'est le début du moment où les femmes prenaient le pouvoir. Parce qu'avant tu te faisait une fille pour coucher. Et c'est avec le mouvement hippie que les femmes ont décidé avec qui elles couchaient. Je trouve ça vachement bien. Les Doors ont participé à ça avec un dialogue du genre "Ah, tu es jolie. On ferait bien connaissance !?". "Oui, moi aussi" aurait-elle dit. Même si la fille te répond "Non pas du tout!". Tu réponds "Désolé" et tu passes ton chemin. Jim Morrison est un mec avec lequel aucune fille à pu dire, ce mec m'a violée ". Je trouve que tout ça méritait d'être dit. Dire qu'il peut y avoir liberté sexuelle sans avoir oppression sexuelle et avec de l'amour en plus. Qu'il peut y avoir un chanteur de rock qui soit un grand poète. Alors, on va te dire c'est pas du Rimbaud mais bien sûr c'est un poète américain. J'entends toujours ça "Oui mais nous, on a Rimbaud et Baudelaire" mais la langue américaine ne te permet pas d'écrire du Baudelaire mais d'écrire autre chose.

Si tu devais te définir, quelle serait ta phrase ou devise ?

Patrick COUTIN .  Être libre !

Y a-t-il un artiste ou un groupe avec lequel tu rêverais de jouer ?

Patrick COUTIN . Il y en a plusieurs dont certains ne sont, malheureusement, plus de ce monde. Mais j'adorerais jouer, ne serait-ce qu'une seconde, avec les Rolling Stones. Parce que c'est vraiment un groove que j'adore. C'est à la fois du rock mais en même temps c'est un peu du rhythm and blues. Je pense que, sur le fond, l'artiste que j'admire le plus c'est Neil Young. Je suis admiratif de cette espèce d'incroyable carrière de Neil Young. Toutes ces chansons incroyables qu'il chante toujours aussi bien, qu'il compose toujours aussi bien. Il y en a d'autres que j'aime mais je dois dire que j'ai une admiration pour ce chanteur qui est immense.

Pour finir, si tu ne devez conserver 3 choses: un disque, un film, et un 3^ème choix ?

Patrick COUTIN .  Probablement "Electric Ladyland" d'Hendrix. Parce que je n'ai jamais rien compris. C'est un extra-terrestre qui joue de la guitare. Je pense que j'emporterais l'Iliade d'Homère parce que c'est ma culture méditerranéenne. C'est un texte qui peut paraître compliqué pour ceux qui ne l'ont jamais lu mais qui est d'une simplicité, qui te parle d'un monde dans lequel Dieu est partout. Dieu est dans un livre, dans une tasse, dans le vent. Il y a du divin et de l'esprit de partout et j'aime ça. J'aime le fait de penser que je vis dans un monde qui est pénétré d'intelligence et de sentiments. En troisième, je prendrais une guitare, je pense.

A tu envie de rajouter quelque chose ou passer un message ?

Patrick COUTIN . J'aimerais parler d'un truc qui est compliqué. Sans doute ne faudrait-il pas en parler mais je vais quand même le dire. Il y a quelque chose que je trouve horriblement douloureux à l'époque où l'on parle. C'est que, tous les jours, des gens meurent sous les bombes et les balles. Quand j'avais 18 ans, la première chose que nous avons appris c'est d'être pacifistes. Alors ça peut paraître bizarre. Mon père était militaire, on s'était battus pour défaire le nazisme. On pouvait se dire finalement qu'il y avait une utilité à la guerre dans le monde. Mais nous on pensait qu'il y avait surtout une utilité à discuter, une une utilité à la paix, à ce que les gens se mélangent, que les frontières soient ouvertes. Moi, je crois toujours en ça et on a cru qu'on y était arrivés. D'abord, les jeunes américains ont fait exprès de perdre la guerre au Vietnam. Faut pas croire ! L’Amérique à perdu la guerre au Vietnam parce que les jeunes ne voulaient plus aller se battre et que les américains ne voulaient plus y aller. Ils ont perdu des milliers d'hommes mais on avait un peu progressé dans la fin des conflits. On pensait qu'il n'y aurait plus de conflits, par exemple entre les grandes puissances, Russie, Chine, et Amérique. On pensait que nous autres, européens, c'était un havre de paix dans lequel il n'y aurait plus de conflits et on avait l'impression que cette espèce de maladie humaine qui consiste à régler un problème en tapant sur la gueule de l'autre était passée ou qu'en tout cas, on y reviendrait plus, qu'avec le progrès, internet, le partage des cultures, les mômes qui vont d'un pays à l'autre, qui se marient entre eux, ce serait fini et qu'on ne se batterait plus jamais. Et que lorsque deux imbéciles iraient se battre tout le monde dirait "Bon les gars, vous arrêtez sinon vous allez en prendre une !".

Et bien non ! Comme toujours ce sont des gens jeunes, des gens fragiles, des deux côtés qui meurent pour des choses que des gens qui sont au pouvoir n'ont pas été capables de régler. Si moi je devais dire pourquoi je suis d'accord pour payer un président de la république, un premier ministre, un roi où une reine c'est pour qu'ils se mettent d'accord avec les autres, pour que l'on en arrive jamais là. Alors tu vas me dire, il y a un fou d'un côté... je ne veux pas rentrer là dedans. Je dis simplement que je trouve catastrophique, et on entend plus parler que de ça aujourd'hui, d'allouer de nouveaux budgets pour les armées alors qu'on a pas de quoi faire marcher les hôpitaux, chez nous mais chez les autres aussi. Je ne dis pas que les français sont moins bien ou pires que les autres, je trouve que cette espèce de retour à un monde d'antagonisme dans lequel on est indiscutablement parti, c'est horrible ! Ça a commencé avec des antagonismes religieux comme on a eu en Irak. On a pas vu venir le coût de cette violence qui fait que tu tues celui qui n'est pas d'accord avec toi et aujourd'hui on est en train de rentrer dans un antagonisme de pays, un antagonisme culturel. C'est à dire que l'autre devient tout ce que tu détestes. Mais moi je ne peux pas détester un être humain. Je ne peux détester, pas plus un russe, qu'un ukrainien ou qu'un chinois. Il y a des cons chez eux comme il y en a chez nous et il y a des gens bien. Il y a aussi des gamins qui ont le droit de vivre. Et donc, je me sens désarmé et malheureux devant ça. Malheureux de me dire que je vais mourir dans un monde où j'aurais laissé encore la guerre à mes enfants. Et je ne te parles pas de l'autre connerie qui est le fait qu'on est en train de détruire la terre, ce qui est déjà important. Tu vois, on aurait du boulot parce qu'on a quand même à se racheter. Et où tu vois, tranquillement, tout le monde s'installer dans le fait que finalement on va revivre bien pire que la guerre froide. On va revivre des conflits où ce n'est plus 50 personnes qui meurent chaque jour. Visiblement tout le monde s'en vante, c'est 1000 où 2000. J'aimerais bien avoir une solution. Je n'en ai pas. Et je suis obligé de le dire, ça fait partie des choses qui me rendent profondément malheureux. D'ailleurs, en ce moment, je n'arrive plus à écrire une chanson. Pourtant j'ai des envies mais je me dis "De quoi tu vas parler !?". Alors que tu as un mec qui, comme toi, écris des chansons et qui est en train de mourir à 2000 km de chez toi parce qu'il se bat pour son pays, son gouvernement. Est-ce qu'il a le choix où pas ? Et tu te dit quel sens à tout ça ? Je trouve ça très triste. On a un problème général de civilisation. Mais je crois qu'il y a des cycles dans les civilisations et aujourd'hui on arrive pas à intégrer ce qu'est l'intelligence artificielle. L'homme a perdu un peu de pouvoir sur ces machines mais je suis convaincu qu'il le reprendra. Je n'ai pas de doute là-dessus. Tu as beau dire tout ce que tu veux, l'intelligence artificielle c'est vachement bien mais ça ne remplace pas un être humain. La preuve, quand tu as fait une connerie c'est une catastrophe.

Donc l'intelligence artificielle n'est guère qu'une machine qui singe un être humain. Peut-être que le singe est le plus brillant d'entre-nous mais il ne fait guère que le singer. On dit "Tu comprends, ce sont des génies qui créent les ordinateurs donc c'est mieux que l'être humain lambda". On est aussi dans une civilisation dans laquelle on amasse les gens au même endroit. Le problème que l'on a dans Paris c'est qu'il y a trop de monde alors que tu as des endroits qui sont déserts. Et tout le monde vient chercher la même chose. L'argent, la gloire, la richesse, la célébrité et je suis sûr que ça va se réguler si la planète survit. Donc ça veut dire qu'il faut se révolter contre les gens qui la détruisent. Il faut leur dire "Maintenant arrêtez !". Parce qu'on a cru, pendant un moment, qu'ils avaient arrêtés, parce qu'ils ne le font plus à Paris mais ils le font en Afrique où ailleurs. Donc c'est une responsabilité humaine. Je ne crois pas que l'être humain soit plus mauvais qu'il l'était il y a 100 ans/1000 ans. Je ne crois pas qu'il soit meilleur non plus. Il a beaucoup de défauts mais c'est quand même une espèce qui est en progrès constants. Malgré tout, on ne peux pas nier non plus qu'entre le mec qui s'est levé et qui, un jour, est parti à la chasse au Mammouth et ce que nous sommes aujourd'hui on a quand même créé quelque chose d'extraordinaire, dans la douleur et quand tu regardes ça tu te dis, quand même, il y a dans l'être humain des ressources exceptionnelles. Tu peux pas non plus regarder que les mauvaises personnes, tu peux regarder aussi l'Abbé Pierre. Tu peux pas non plus mettre tout le monde dans la même poubelle. Mais la période est troublante. J'ai 70 ans, bientôt 71. De ma vie, je n'ai jamais vu une période aussi bizarre, aussi rétrograde que celle que l'on vit malgré les moyens extraordinaires que nous avons dans les mains. Moi j'ai connu un monde dans lequel on se plaignait qu'il manque de la moutarde dans les supermarchés. T'avais deux pots de moutarde et c'était normal. Et les supermarchés étaient grands comme mon salon. Aujourd'hui on vit dans une abondance de tout. De bagnoles, de trains, d'avions, de bouffe, de sucreries, de culture et on est pas capable de faire un vrai progrès avec ça mais peut-être aussi parce qu'on est dépassé par ça. Je ne veux pas condamner l'être humain en général. Je pense qu'il vit une période difficile. Ça c'est clair. Et depuis la Covid, les gens ont pris l'habitude de passer beaucoup de temps à regarder ce qu'on appelle l'information mais qui, à 90 %, n'est que de la propagande. Pour une lessive, pour un homme politique, pour une idée ou pour ce que tu veux. Je crois qu'il y a une perte d'autonomie dans la population ou, en tout cas, que les gens autonomes ferment leur gueule. Parce qu'il y a aussi ça. Il y a beaucoup de gens qui ne sont pas d'accord mais qui se taisent parce qu'ils ont peur de l'ouvrir. Parce qu'on est dans une période où beaucoup de gouvernements sont en position de pouvoir abuser du pouvoir. La Covid a créé ça. Elle a créé une dépendance envers les gouvernants. Donc notamment en France où on était un pays frondeur. On l'est beaucoup moins. J'aime à croire que ce n'est pas définitif. Moi je suis sûr qu'on va reprendre notre autonomie. On va reprendre le droit de rêver, de parler à qui on veut. Et ces personnes qui ont pris un peu trop de pouvoir vont commencer à comprendre que ça peut ne pas bien se finir non plus. Et c'est vrai que la période est abominable. Marcher dans Paris est devenu pénible aujourd'hui alors que c'est une ville merveilleuse dans laquelle il y a tout pour être heureux. Des gamins et des gamines magnifiques, des bagnoles, des bijoux, de la musique. Et pourtant on descend parfois de chez soi en se disant "Oh là là..". Mais il y a quand même une note d'espoir. Moi qui suis très proche de gens jeunes, ma fille à 23 ans, je trouve que cette nouvelle génération qui arrive a des idées intéressantes et qu'elle est très portée sur le respect de la terre, sur le respect des autres, des races, qui ne fait pas la différence entre les gens qui viennent de pays différents, qui sont beaucoup plus ouverts que nous, en tout cas, que la génération d'avant et ça, ça me donne de l'espoir.

Interview Thierry CATTIER 
Photos Th CATTIER / SHOOTING IDOLS et DR
ReTranscription William Chopin